艺术素质培养范文

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前言

在高校美术课程开展时，需要提升学生的艺术素质，培养学生的创新能力，让学生在美术学习的过程中，结合美术教学的要求，让学生有更多的实践机会，培养学生的综合能力全面发展。学生通过艺术体验，进行文艺鉴赏，在欣赏中找到创新的路径，在美术作品创作上注重创新，避免照搬照抄，培养具有创新能力的高艺术素质人才。

1.注重学生的个性化发展

坚持以学生为本，培养学生的艺术素质和创新能力，美术教育将学生作业主体展开教学，学生可以积极主动的进行学习，在学习中不断提升自己的创新能力。教师分析学生的个性特点，针对学生的个性进行相应的引导，让学生能够自己的去找寻未来的发展方向。教师注重创造良好的美术学习环境，加强师生之间的互动，对于学生多加鼓励，让学生自己去解决问题，勇于地参与到想象和创新中去，培养学生克服困难的勇气。在美术教育中，提高学生的艺术素质，就是让学生在创作时遇到困难不退缩，更好的分析和解决问题，能感受到知识的获取所带来的喜悦感和成就感，提高学生学习的自信心，进而提高学生的创新能力。转变传统的美术独立的观念，整合艺术和其他的资源，进一步促进学生的艺术素质发展，将美术教育作为与其他学科的沟通桥梁，注重对于其他学科资源的利用和获取，让美术教育更加具有实用性，也能丰富美术教育内容。结合时代对于人才的要求，创新能力较强的人才，这就需要将学术资源进行相互融合，顺应时代的发展要求，提高学生的接受能力，促进学生的艺术素质综合发展。

2.转变传统的教学方法

一般在美术教学中，很难会受到传统规矩和逻辑的约束，提高学生的艺术素质，美术教师注重对于学生的引导，激发学生的想象力和创造力。教师在教学的过程中注重对于国外先进教学理念和教学经验的吸取，这样才能够不断地完善自身创新自身的教学方法和理念。采取开放性的方法，注重学生的自主意识和创新能力的培养，注重和学生的沟通交流，通过自身的创新去感染和影响学生，让学生能够通过情感体验在美术学习中学习相关的知识和技能，不断提高自身的创新能力。教师需要转变传统的角色定位，放弃自身的主体地位，注重教学过程中的创新，尤其是将自身的创新意识融入到教学过程中去，注重对学生的引导，让学生自主的去发现问题和解决问题。在教学过程中，注重对于学生信息的收集和获取，观察学生的学习状态，通过教学反馈，不断改变自身的教学方法，以便于更加的适应学生的学习特点。改变传统的教学方法，注重对先进教学方法的获取，结合学生的个性化特点展开教学，能够培养学生的艺术素质，同时也能够提高学生的创新能力，充分调动学生学习的积极性，激发学生的想象力和创造力。全新的时代背景下对于学生提出了全新的要求，这就需要打破传统的教学方法，不断地创新教学方法，更好的适应美术学科特点，这样才能够让学生感受到艺术的魅力，注重自身的知识迁移，重视发散思维的培养。

3.注重学生的创新实践

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第一，艺术素质不能替代综合素质，艺术素质的提高必须建立在文化素质、综合素质的基础上。应当说，今天在校艺术专业大学生，专业基础、专业技能、专业素质等方面比较出色。为数不少的学生自幼接受艺术教育，练就了过硬的“童子功”，但也正是这种近乎于“职业训练”的教育，以及家长“望子成龙”、“望女成凤”的期望值，忽视文化课程学习，使许多学生的文化素质、综合素质形成了强烈反差――艺术技能上可能高人一筹，而文化水准却极为贫乏。更有甚者，一些家长让孩子学习艺术的初衷并不是艺术修养的提高，而是因为孩子文化课太差，只能报考艺术院校――仿佛学习艺术可以不需要文化知识。当然，除了这些表层原因之外，还有诸如体制因素、专业课程设置、考试制度等方面的制约因素。但无论什么样的制约因素，有一点是非常简单的道理，这就是并不是什么歌都会唱、会演奏某种乐器就是艺术家，艺术院校也完成了教育使命。也就是说，我们的高等艺术教育既要教育学生掌握艺术实践、技术等层面的技能、技巧、技术，还应侧重提高其文化素养，并通过提升综合素质，使受教育者整体素质(包括艺术素质)得到提高。我们必须告诉受教育者：“社会不需要没有文化的艺术家，没有文化成为不了艺术家；没有文化的艺术是没有生命力的艺术。”艺术教育中，技巧、技能教育无疑是非常重要的教育内容，但高等教育的主要任务不应简化为技能、技巧的传授。

专业素质和综合素质之间的关系，已得到了充分的重视，学术界也有比较深刻的认识。我们的认识是，当艺术教育已经成为素质教育的重要内容时，高等艺术教育无论如何不能忽视综合素质教育。从另一个角度上认识，在艺术教育中强化综合素质教育也是高等艺术教育对素质教育的积极回应。同时，我们应当在艺术教育重一以贯之重视文化和综合素质的教育。许多事例告诉我们，艺术竞争的实力绝不仅仅局限于单纯的艺术技能、技巧，文化底蕴、人文素养是最终决定因素。现代教育理念告诉我们，艺术教育培养出的人才，不仅需要精通某一艺术门类的技巧，而且社会更需要具有综合艺术修养、精湛人文知识的人才。

第二，“匠”和“师”之间的关系，对我们推进综合素质教育将产生最有意义的启迪。我们也许没有充分的理由强调，高等艺术教育的终极目的是为了培养艺术家、艺术大师。但如果我们的高等艺术教育所培养的各类人才不具备，或缺乏艺术大师的修养、素质、风范、品格，无疑也是一种失败。即使我们不应期待我们的受教育者都成为艺术大师，至少也应用艺术家、艺术大师的综合、文化素质要求我们的受教育者。一个人人都能够接受的道理是，即使我们的受教育者不能百分之百地成为艺术家、艺术大师，我们也不希望他们成为胸无点墨的“艺术工匠”。

众所周知，素质教育的提出主要针对的是应试教育。而在推进素质教育过程中，我们不仅要克服应试教育的弊端，还应通过素质教育提升受教育者的整体素质。教育界有识之士不止一次地声称，时下许多中国艺术院校的学生“匠”气十足，“师”气太少。我们认为，此类批评不无道理。艺术家、艺术大师之所以被称其为“家”和“师”，不仅仅是他们艺术上的杰出和独到的成就，也在于他们的文化修养深厚；“匠”和“师”之间的鸿沟，并非“身怀绝技”所能弭合的。任何人都不能期待，连安塞腰鼓和花鼓灯的流传地都说不清楚的歌手会成为艺术大师；也无法想象认为“海拔从地面的高度算起”的演员会成为艺术家。其实，类似问题根本不应与“家”和“师”联系在一起，因为这种属于常识性的知识，不仅是初等、中等教育的内容，不仅是艺术工作者、从业人员基础知识中的基础知识，而且是一个普普通通的人应具备的常识。

关于“匠”与“师”之间的关系，颇能说明在高等艺术院校大力推进综合素质教育的必要性。艺术的生命力在于创新，在于探索，在于艺术家有自己对艺术的解读和理解，而实现这一目标，“家”和“师”的潜在优势、综合素质是任何出色的“工匠”都无法企及的。艺术和艺术上的成就，来源于对生活、社会的深层次感悟。而这些感悟一方面来自个人的自觉“修炼”，另一方面，则是教育的分内义务，尤其是对于在校接受高等艺术教育的大学生来说，综合素质、文化素质的提升一方面有赖于学校提供的机会；另一方面，则取决于自我“修炼”意识的增强。因此，高等艺术院校的综合素质教育和培养，既取决于教育者的努力，也需要受教育者的自觉。

第三，关注艺术教育与做人的关系。综合素质涉及到的深层次内涵则是如何做人的问题，也就是说，高等艺术院校的综合素质教育是高等教育“教书育人”的重要内容。与高等教育其他专业学科相比，艺术教育与道德之间的关系更为密切。艺术对人们心灵的熏陶作用，是其他学科不能比拟的。故此，在高等艺术教育实践中，通过艺术教育达到教书育人的目的，必要性和可行性比之其他学科更加突出。

无论是“匠”还是“师”，高等艺术教育和其他任何形式、等级的教育是一样的，教育的首要任务是人的培养。人的培养涉及许多方面的内容，综合素质理应成为核心内容。综合素质、文化素质对于高等艺术院校的受教育者来说，不仅包括提升对艺术的理解能力，还包括提高思想修养。人们在批评艺术界许多有违道德现象时，常常指责当事人“艺德”太差，“素质太低”更是平常用语。我们不能把综合素质教育简单地归结为道德修养教育，但综合素质的必定包括一个人的道德素质。同时，综合素质、文化素质也决定了一个人思想修养水平的高低，进而决定着艺术造诣及发展方向。

人们在论及素质教育时，无不强调人文精神的塑造及培养。艺术本身是技术和人文的结晶。故此，艺术的学习与实践，既需要技术上的精湛，也需要人文素养的高深。在实践中，技术往往是有形的，而人文及其素养常常是无形的：技术可以是立竿见影的，而人文素养却难以立竿见影。对于学习艺术的人来说，艺术大厦的建造，无疑应以人文素养为根基。有人把艺术教育的内容总结“技”、“文”、“道”三个字。我们认为，这种概括可谓一语中的，把艺术教育的技能、综合修养、做人三个大的内容进行了精当的总结。其中的“道”便包括了“做人之道”。教师在教学实践的“教书育人”双重任务，要求教育者不能仅仅局限于一般性知识传授、技能培养，必须尽快实现单一角色的转变。

第四，注意潜移默化的培养。人的任何一种素质都不是短时间内形成的，既需要教育和培养，也需要一种长期的、潜移默化式的熏陶。人们强调艺术素质的提高是一个历时性的过程，需要积累。对于高等院校来说，这种潜移默化的实现主要依靠一种文化环境、氛围的营造。涉及制度建设，在考试、考核时，既关注专业课成绩，也给予文化素质、综合素质教育课程以相应的地位，通过制度建设强化综合素质的地位。

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笔者认为对人才的艺术素质培养有两个途径：其一是针对普通人常规的普及性艺术素养教育;其二是专业性艺术教育，也可称为传承性艺术教育。对于提高人才的艺术素质，二者具有同等重要的作用。长期以来高校习惯采用常规性的组织形式加强学生的艺术素质，比如：举办校园文化艺术节，成立各种形式的读书会、诗社、摄影协会、绘画书法协会、电影戏剧社等社团，可以称为传统的方式，无疑是培养学生综合素质的较好方式。通过这些具有普及性、常规性的活动，丰富校园文化生活，营造清新高雅、健康文明的校园文化氛围，展现学生的青春风采，让他们发挥个性特长，在活动过程中相互学习，形成良好的学风，加强综合素质修养。

进行多种形式的社会实践活动，让学生检验学过的知识，学会理论与实践相结合，是增强素质能力的重要方式。它对于培养人才的实践能力和创新、创业能力十分重要。积极开展美术作品展览交流与音乐演出教学实践活动，经常进行学术交流，是教学基础与科研创作实践的重要内容，它直接反映出教学基础与科研创作的实际水平，是人才培养的重要环节。因为展览和演出活动不但能促进学术交流的开展，促进教学水平的提高，也能最终衡量教学水平与教学质量的高低。在综合型师范院校，这种教学实践活动更具普及的意义，它不但使艺术专业的学生得到锻炼，也使其他专业的学生同样受益。他们通过经常观看展览和演出，懂得理解和欣赏艺术，得到美的享受，性情得到陶冶，精神得到升华。

几千年来所形成的生活习性，孕育了各地区独特的文化艺术，是别类艺术无法比拟的，自然的生存法则使艺术魅力逐渐显示出来，凸显出人们的精神特性和生存的价值取向。了解和挖掘各地区的优秀传统文化资源，探寻更深层次的精神内涵，能更好地掌握该地区文化资源优势，有利于制定出最佳的传承和融汇方式。

二、艺术素质培养的新途径

艺术素质教育是整体教育的一部分，这里着重强调了艺术素质教育的重要性，艺术素质教育是充满智慧的教育。教育体系中的师范教育更是关注人和传承性的教育，师范教育强调对人良好的素质教育，使高尚品格得到传承。教育是民族精神良性传承的最好方式。与时俱进加强民族地区师范艺术素质教育，是培养高素质人才的保证，就现代教学而言，新媒体艺术实验室教学应是落实的主要方式。

(一)新媒体艺术实验室在现代教学中的重要性和作用

新媒体艺术实验室，又称电脑多媒体实验室。它是根据目前国内国际媒体艺术发展现状需求所设立的新的专业实验室。目前多媒体技术几乎运用到社会的各个领域，它已成为现代社会的标志。新媒体艺术实验室是以电脑媒体为主要操作手段，结合影视、播音主持等传播内容所组成的现代媒体教学，可进行平面设计、环境艺术设计、影视动画、宣传广告、现代传媒与印刷艺术设计等专业技术教学。其具有极强的实用性和专业发展前景，并且能利用最新的传媒艺术成果，使其进入教学环节，学生通过专业性、实用性课程的学习提高艺术素养。

新媒体艺术实验室是培养高素质人才新的平台。在科技高度发达的今天，为我们提供了新的机遇与挑战，需要我们积极探索，建立多学科实验室是最理想的选择。根据社会经济发展的需要，建立具有全新学科性质，有实际运用意义的实验室是培养高素质人才的必然需要，它能为培养学生具有良好技能提供基本条件。新媒体艺术实验室可满足学生由低到高，由简单到复杂，由非专业到专业的实验内容需要。艺术专业由于学科特殊，专业构架宽泛，专业程序性复杂，因此要求必须有相应的实验室学科构架，才能较好地发挥学生的主动性与创造性。

(二)新媒体艺术实验室的运用

新媒体艺术实验室与学生、教师形成三位一体的关系。实验室提供最基本的实验条件;教师根据培养计划和学生基本情况灵活地进行教学;学生可根据教学安排，从吸收知识的目的入手，利用实验室条件，学习更多的知识。

新媒体艺术实验室中的现代传媒与印刷艺术设计实验室，立足于现代传媒与版式艺术设计教学与研究，既可服务于教学和研究工作，还可为其他专业的学生提供普及实践平台，面向特定群体开展勤工俭学，成为产与学的两用基地。实验室可整合资源，优势互补，利用新媒体艺术实验室仪器设备，使专业和非专业的学生同时受益。

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一、“声乐艺术指导”的职责与职业要求

作为一个“声乐艺术指导”，其职责是什么呢?在笔者看来，其职责至少有三：第一，使歌者演唱的作品最终成为一件完美的艺术品，即通过自身的知识和能力(包括对声乐技巧、语言的把握、对音乐风格和歌词的理解、文化素质和修养等)将声乐教师所教授的声乐技巧同音乐完美结合在一起；第二，指导歌者并同歌者一起对作品进行“二度创作”，使所表演的作品趋于完美；第三，通过长期与歌者的合作，使歌者逐渐走向声乐艺术的巅峰。总之，“艺术指导”作为“教练”，一直陪伴着歌者成长，成为歌者的“耳朵、镜子、拐杖”。这正是一个“艺术指导”的职责。

既然“艺术指导”的职责在于成为歌者的“耳朵、镜子、拐杖”，那么怎样才能履行这样一种职责呢?换句话说，作为一个“艺术指导”，除了具有精湛的钢琴演奏技术外，還具有哪些职业要求呢?简言之，除钢琴演奏外，“艺术指导”的职业要求可概括为“风格”、“语言”、“技巧”。所谓“风格”，就是指“艺术指导”应准确认识和把握声乐作品的音乐风格。这就给作为“艺术指导”提出了很高的要求。作为一个“艺术指导”，必须熟悉大量的声乐作品(包括艺术歌曲、歌剧及其他各种类型的作品)，尤其要认识和把握不同时代、不同体裁的声乐作品所不同的音乐风格，进而认识和把握其表演风格。比如说，为艺术歌曲弹伴奏与为歌剧选段弹伴奏或用钢琴替代管弦乐队排练歌剧，其表演要求就各不相同。一般说来，艺术歌曲的钢琴伴奏，尤其是浪漫主义时期德奥利德(lied)的钢琴伴奏，与声乐部分具有同等重要的位置。因此，为艺术歌曲弹伴奏时，钢琴家与歌唱家享有同等地位。不仅如此，浪漫主义时期的欧洲艺术歌曲(包括德语歌曲lied，法语歌曲melodie，俄语歌曲romance等)的歌词往往都是浪漫主义诗人的诗歌，故其艺术意境深邃。为此，为艺术歌曲弹伴奏，手法還需精致、讲究，采用细腻的音色变化和不同的触键方式阐释诗歌的含义，表现诗歌的意境。在音乐会上为歌剧选段弹伴奏，或者用钢琴进行歌剧排练，钢琴家不仅要熟悉钢琴缩编谱，而且還应熟悉其乐队总谱。这就意味着，钢琴家应将钢琴想象成一个管弦乐队，应知道什么位置是弦乐，什么位置是管乐，什么位置是“全奏”，什么位置是某件乐器的独奏，尽可能地表现出乐队中的各个声部，使钢琴的音响具有管弦乐队的效果。所谓“语言”，就是指“艺术指导”应具有一定的语言能力。这就要求作为“艺术指导”的钢琴伴奏者，必须掌握与声乐作品最为相关的意大利语、德语、法语、俄语、英语等，以便更直接地指导歌者演唱，更默契地与演者配合。较强的语言能力，也有助于帮助歌手理解歌词，进入歌词的艺术境界。所谓“技巧”，这也是最重要的，就是说作为“艺术指导”的钢琴伴奏者，還必须懂得一定的歌唱技巧。只有了解和把握一定声乐技巧，才能对歌者进行必要的指导或者纠正，以确保声乐教师所教授的声乐技巧在歌唱中得以实现和发挥。上述三者——“风格”、“语言”和“技巧”，作为一个“艺术指导”除钢琴演奏之外的三个最重要的职业要求。这也昭示出“艺术指导”与一般“钢琴伴奏”的区别。

那么，作为一个“艺术指导”，怎样才能达到这些职业要求呢?他们不仅要修毕钢琴主课，以便具有较高的钢琴演奏水平，而且要系统学习语言、音乐史、音乐美学以及作曲技术理论，還必须了解和把握一些必要的声乐技巧。欧美国家的“艺术指导”正是这样打造出来的。在欧美，如果想成为一位优秀的coach，除了主修钢琴以外，還要学习声乐、作曲、指挥以及音乐学方面的课程，以构建一个全面的知识和技能体系。例如，美国指挥家、钢琴家詹姆士·列文(james levine，1943-)就是一名出色的“声乐艺术指导”。列文出生于一个音乐世家。父亲是一个乐团的首席小提琴手，祖父则是犹太教堂唱诗班的领唱。10岁时，列文就已作为钢琴家与辛辛那堤交响乐团同台献艺。列文曾随瓦尔特·列文学习音乐理论，随鲁道夫·塞尔金学习钢琴。1961年，列文毕业于纽约朱利亚音乐学院，其专业是指挥和歌唱。1973年成为美国大都会首席指挥。正因为有了这样的教育背景，列文成为一位出色的“声乐艺术指导”，完全满足作为一个优秀“艺术指导”的职业要求。作为一位“声乐艺术指导”，列文曾是意大利女高音歌唱家塞茜莉亚·巴托莉、俄罗斯次女高音歌唱家包罗丁娜、被誉为“世界第一抒情女高音”的卡娜娃的钢琴伴奏，他们合作曾得到了广泛的赞誉。詹姆士·列文正是这样一位“艺术指导”，成为歌者的“耳朵、镜子、拐杖”。

二、中国“声乐艺术指导”的现状与前景

在中国声乐界，“艺术指导”这个概念是近年才逐渐启

转贴于

用的，但在大多数场合下仍叫“钢琴伴奏”。故在声乐教学和演出活动中，“钢琴伴奏”尚未能承担“艺术指导”的职责。

应该承认，中国声乐界的确有一些钢琴伴奏者具有作为“艺术指导”的素质，他们的艺术实践也成就了一大批优秀的歌唱家或歌剧演员。但从总体上看，人们对钢琴伴奏作为“艺术指导”对于歌唱艺术的重要性仍缺乏足够的认识。“弹伴奏的远不如弹独奏的”、“弹独奏弹不好才弹伴奏的”等错误的观念，在中国音乐界并没有得到根除。大部分钢琴伴奏者尚未成为真正意义上的“艺术指导”。因为几乎所有的钢琴伴奏者都来自音乐学院钢琴演奏专业的毕业生(目前，只有中央音乐学院有声乐钢琴伴奏专业)，没有受到钢琴演奏以外其他满足“艺术指导”职业要求的专门训练。但在欧美，著名的“艺术指导”不仅是钢琴家，而且還是一个较为全面的音乐家。因此，他们的表演无论是从技巧上看還是从对音乐的理解和把握上都很是具有权威性。不仅如此，他们還懂声乐、懂多国语言、懂乐队、懂作曲、懂文学、懂戏剧、懂表演，尤其是具有良好的职业道德和合作精神，与歌者共同完成对作品的“二度创作”。这些无疑都是中国钢琴伴奏者所不能及的。再就是，整个中国声乐界长期以来对“艺术指导”的认知不足，缺乏关于“艺术指导”的理论探讨和理性认识。如何作为一个真正的“钢琴伴奏”，一直缺乏理论的观照和指导。于是，大部分声乐钢琴伴奏都只能是“伴奏”(accompany)和“陪练”了。在声乐教学和演出实践中，歌者永远是主角，钢琴伴奏者则跟着歌者的脚步走。在舞台上，钢琴伴奏者只要跟上了歌者的节奏就算完成任务了，而根本顾不上其音量是否合适，情绪是否协调，强弱是否统一。更令人忧虑的是，大部分声乐钢琴伴奏音乐修养、文化素养還很欠缺，对古今中外的声乐作品不求甚解或者根本就不熟悉。于是，他们能将作品的大概意思弹出来即可，“风格”上也很不讲究，更谈不上在“语言”和(本文由收集整理歌唱)“技巧”上对歌者的“调教”。因此，他们对于歌者的“指导”，也仅限于纠正音准和节奏了。这应该说是中国声乐界钢琴伴奏的现状。另一个值得注意的问题是，正如本文开头所说的，长期以来中国的声乐教师实际上承担了“艺术指导”的职责。声乐教员几乎承担了声乐教学和舞台表演中的全部事务，于是钢琴伴奏者除了弹琴之外也就无所事事了。这也是“钢琴伴奏”放逐作为“艺术指导”职责的原因之一。

中国可以说是一个“美声”歌唱的大国，“声乐艺术指导”无论作为一门艺术還是一个职业，都将具有广阔、美好的前景。在声乐舞台上，曾出现一大批光彩夺目的美声歌唱家：如老一辈歌唱家李光曦、李双江、张越男、张映哲、施鸿鄂、程志等，中青年歌唱家王秀芬、张建一、傅海静、杜吉刚、张丽萍、孙秀苇、黄英、魏松、戴玉强、廖昌永、袁晨野、贺磊明、幺红等，年轻一代歌唱家则有张妮、周晓林、陈苏威、柯绿娃等。这些“美声”歌唱家存在，以及“美声”歌唱艺术在中国的持续发展，无疑都是发展“声乐艺术指导”的重要前提。更重要的是，“艺术指导”的价值及重要性越来越被人们所认识。关于“艺术指导”的理论探讨也开始起步；关于“艺术指导”的人才培养已纳入高等音乐院校的办学计划；以钢琴家赵碧璇、钱致文、黄小曼为代表的“艺术指导”的价值也逐渐被人们所认同。伴随着中国声乐艺术的发展，优秀的“艺术指导”已不断涌现，整个音乐界对“艺术指导”的认知也将逐渐有所改观。

三、打造“声乐艺术指导”之我见

作为一个声乐大国，怎样才能打造出真正的“声乐艺术指导”呢?这是中国声乐艺术发展中亟需解决的问题。笔者认为，这首先需要开展与“声乐艺术指导”相关的理论研究；其次是与国际接轨，借鉴欧美国家培养“声乐艺术指导”的成功经验和方法。

第一，开展关于“声乐艺术指导”的理论探讨，为“声乐艺术指导”正名、定位，并进一步确定“声乐艺术指导”的学术地位和学术价值。关于“声乐艺术指导”的理论探讨，首先要分清和厘定“声乐教师”和“艺术指导”的职责及其在声乐教学中的分工。是不是可以这样来划分：“声乐教师”主要解决歌唱中的技术问题，“艺术指导”主要解决歌唱中的艺术问题。前者旨在声音，后者旨在作品。只有这样，“艺术指导”作为一门艺术、一个职业，才能从“声乐教师”身上分离出来，并脱颖而出。关于“声乐艺术指导”的理论探讨還必须肯定“艺术指导”的价值，并给予“艺术指导”公正的评价，其目的就是提升钢琴伴奏者的学术地位。20世纪曾出现了一批优秀的“声乐艺术指导”，如一直从事钢琴伴奏的杰拉尔德·穆尔(gerald moore，1899-1987)、作为一位指挥家和钢琴家詹姆士·列文等，他们的知名度才不亚于钢琴家库劳(kuhlau)或歌唱家帕瓦罗蒂(luciano pavarotti)。这和国际社会对知识和艺术的尊重相关，更重要的是对“艺术指导”的认同。关于“声乐艺术指导”的理论探讨，更重要是探讨成为一个真正“声乐艺术指导”所必备的知识和能力。总之，开展与“声乐艺术指导”相关的理论研究，就要为“声乐艺术指导”寻找一个理论的支撑点。

第二，开展培养“声乐艺术指导”的专业音乐教育。这首先就需要建立起一个观念：一个钢琴专业毕业生不一定就能成为一个“声乐艺术指导”，但一个成功的“声乐艺术指导”一定是一个优秀的钢琴家。要建立这一观念，需要与国际接轨，借鉴欧美国家培养“声乐艺术指导”的成功经验。如保加利亚索菲亚音乐学院培养“声乐艺术指导”的程序是这样的：一个学生在经附中、大学钢琴专业的学习之后，在研究生阶段主修“声乐艺术指导”。又如，在圣·彼得堡音乐学院，“声乐艺术指导”作为“钢琴艺术指导”专业的一个分支，不仅是一个专业，同时也是钢琴演奏专业的必修课，并从大学二年级一直研习至五年级，同时也是研究生入学考试的重要内容和研究生阶段学习

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随着社会的进步和人类文明程度的日益提高，艺术设计已渗透到我们周围的众多领域，并直接影响了人们的生活方式和生活质量。

近年来，由于市场的迫切需求和学校自身发展的双重因素影响，全国各高等院校设计类招生规模日益扩大，各地新增新设艺术设计类专业如雨后春笋般涌现，就高等职业艺术教育而言，仅江苏省近几年中就有近七十所高校招收设计类学生，而高职类已占半数以上。面对教育市场的如此变化，高职如何为市场提供高素质的人才?这是教育界同行所面临的重要课题。

高职教育针对普通本科教育而言，有较大区别，它以实用型人才为培养目标，为满足社会的需要，我们认为设计专业的职业技术教育应从以下方面实施专业素质与能力的培养。

一、适时转变思维，增强创新能力

设计是时代文化发展的综合体现，是设想与筹划的过程，是谋求人与自然、人与艺术之间更好的协调，是为实现某种特定的目的而进行的创造性劳动。

市场竞争的残酷性，决定了设计师只能不断地努力，不断进取、不断创新，否则将被社会所淘汰。目前艺术设计教学滞后于现代设计的市场实践，已是不争的事实，艺术设计的思维方式必须改革，才能更好地适应激烈的市场竞争。高职教学应以创新思维、创造能力的培养为重点，指导学生树立现代设计观念和创新设计意识，发掘其创造潜能，训练学生学会创造的方法，并能创造性地解决设计中的问题。

随着社会发展速度的加快，设计的流行风格、流行样式的变化也愈来愈快，消费者的消费行为也变得愈来愈难以捉摸。艺术设计教学应引领潮流方向，预测市场动向，关注未来设计走向。

二、加强实践教学，服从市场需要

设计是人类特有的一种实践活动。人们有什么样的需求就有什么样的设计实践。艺术设计教学应反应这一社会需求。

设计实践是基础理论与专业设计相结合的中间环节，是检验学生综合设计能力应对社会发展的重要依据。目前高职设计教学完全按着普通高校模式，存在很多弊端，设计教学与市场结合不紧密，导致学生所学理论知识与社会需求严重脱节。如：高校设计类毕业生大多数人在两年内不能胜任工作，甚至三年后才知道什么叫整体设计。当今市场需要大量的应用型、技术型“灰领”阶层的设计师，具有解决问题与动手能力的技师，而不是研究型的设计家与画家。

增加实践性教学环节的课时比。选择一些有市场特色的校外实习基地，与社会接轨，在实践中检验和提高学生的艺术设计水平，让学生真正获得解决实际问题的能力，达到设计教育的终级目的。

三、关注整体设计，促进市场推广

设计是科学与艺术、技术与应用、企业与市场、生产与消费之间的桥梁。艺术设计教学应引导学生主动的全方位的参与市场。

设计过程中，实用性的设计是首要考虑的问题，功能设计因用途、使用方法不同而异。如：鸡蛋的包装设计应便于运输，一旦运输过程中出现破碎，再漂亮的形式也是失败的。目前国外大多采用稻杆粉碎后，通过纸浆处理，做成多层硬质纸包装。这种多层材料制成的方型包装便于运输且不易破碎，甚至将包装好的鸡蛋从楼上扔到楼下，完好无损，从功能上讲这一包装设计既是实用的，又是环保的。再如：轮椅的设计，能够爬楼梯，外形上只是多了些支撑点，这些支撑点的造型又统一在轮椅的总体风格之中，那么这一设计是完美的，任何设计的实质目的就是为了方便人们的生活。当人们在摆脱了生存困扰后审美需求就成了不可忽视的因素，因此在追求功能实用的同时，还应强调设计中的审美情趣、审美理想、审美追求，以独特的艺术形式和强烈的视觉冲击力来鲜明地突出设计主题，达到形式与功能的完美统一。

四、转化科技成果，改变教育观念