传统艺术特点范文

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关键词：

传统壁画 主观创造 形式美

一、传统壁画以简单装饰纹样为开端

中国传统壁画是中华民族乃至世界民族文化艺术宝库中的一支奇葩，在长期的发展和传播过程中形成了各时代、各民族的鲜明艺术特征。按其所依附的建筑物种类，可分为殿堂壁画、墓室壁画、寺院壁画和石窟壁画。中国传统壁画在3000多年前的商周时期已处于萌芽时期，以简单的装饰纹样为开端，这时的几何图案只起到装饰功能，是一种不含任何政治思想的潜意识行为。作为壁画，它还没有形成一个完整的社会功效和教育功能，只起到了壁画的一部分作用，可谓是中国古代壁画的雏形。

中国壁画作为独立的一门绘画始于春秋，它除了装饰殿堂还起到了宣传教化的功能。此时壁画的内容丰富，包括天神、圣贤及远古传说等。中国传统壁画从_开始就紧随社会的发展历程，服从于统治阶级的意志。

二、简单古拙的汉代壁画

汉行厚葬之风，至此出现墓室壁画。汉墓壁画几乎包含了中国早期一切重要的思想与信仰，在中国传统壁画绘画史上具有承前启后的地位。人物造型简单古拙，充满了意境和力量。正如汉代的石雕一样“去粗取精，删繁求简”，体现了汉代美学的共同特征。壁画，构图讲究平面效果，多横带式；形象大同小异，重复排列，富有节奏感；色彩很少仅白地黑线，以红、黄、绿赋彩。画法上白墙彩绘，最后提黑线如同没骨写意。汉壁画气韵生动，简朴大方，装饰性强，浪漫主义和现实主义相结合，奠定了中华民族绘画的传统风格。汉室壁画内容十分丰富，全面而深刻地反映了汉代社会的政治生活、思想观念和道德标准。

三、魏晋南北朝时期壁画风格的融合与发展

中国传统壁画经过不断的发展，到魏晋南北朝时期从内容、技法、格局及色彩上都有了一个很大的提高。此时期壁画突出体现在本土风格与外来风格的融合。这一时期壁画主要有石窟壁画和墓室壁画。画风生动豪放、稚拙、生活气息浓。南北朝墓室壁画有所发展，写实性增强。新疆的龟兹壁画是极具异域特点的壁画。菱形构成，以蓝绿为主的冷色调色彩，人物的形象及刻画手法都具有异域特点，最为特色的是大量的女性形象。魏晋南北朝时期的敦煌壁画艺术异域色彩强，艺术风格集中体现了代表中国传统文化和哲学思想的“飞动之美”，画面色彩浓烈，装饰性强。题材上以佛教因缘故事、本生故事为主，宣扬自我牺牲，血腥味浓。特别构图上采用连环画形式，分割明确，整体统一，这一特征标志着中国古代连环画已成熟。总之，经过魏晋南北朝的发展，中国壁画逐渐成熟，为隋唐壁画艺术的兴盛打下了坚实的基础。

四、隋唐时期壁画艺术达到巅峰

隋唐时期是我国封建社会的鼎盛时期，在中国古代壁画史中，是唐代把壁画艺术推向了顶峰，各种类型壁画都蓬勃发展。唐墓室壁画是中国传统壁画艺术中极为重要的部分。其内容多为表现日常生产、生活、仪仗等场景，也包括建筑、形象等内容。宫女形象尤为突出。表现技法多为黑线勾勒，后添彩，以少量的红、黄、蓝等色涂绘。人物造型准确，勾线娴熟，但绘制不细主义。唐墓壁画是以疏体画风为基础，融汇了密体派的画风，完成了从“曹衣出水”向“吴代当风”的过渡。由于佛教的兴盛，唐代宗教石窟壁画也达到了前所未有的高度。相比于之前的壁画，题材和画法都有了发展与变化，内容以大型经变画为主，场面宏伟，色彩鲜明，线条流畅，达到气韵生动、骨法用笔的最佳境界。敦煌壁画总体风格发展是与内地中原唐绘画的演变一致、同步发展的，其审美精神体现了中国传统文化的乐舞韵味“飞动之美”。这是构成华夏艺术的一个基本因素。“飞动”的走势即强调贯穿于笔墨趣味之间的“气韵”。中国绘画及雕刻艺术始终以线为主。从西汉帛画“高古游丝描”，魏晋顾恺之的“春蚕吐丝”、曹仲达的“曹衣出水”，唐吴道子的“吴带当风”以及王维诗、书、画于一体而首开文人画风的典型，都证明了这一点。线不能抽象的存在，必须以某种形象来显现，于是出现用“墨”用“色”的问题，敦煌壁画中是“线、色并重”、“墨、色并用”的。这种运用原则比中原画坛更为自觉，达到色不压线，线不盖色，以线描为主，色彩烘托的理想效果。敦煌壁画中的色彩特点是具有极强的装饰性，直接使用原色，单纯而浓烈，北朝和隋唐达至0辉煌阶段，自隋唐、五代以后逐渐下滑，在整体趋势上与中国绘画的进程一致，受“重墨轻色”观念的影响。

中国传统壁画从发展之初到黄金时代的盛唐，伴随着社会的日益发展一直在向顶峰推进。从这段历程来看，社会稳定和经济繁荣决定着中国传统壁画的发展趋势，没有强盛的国力，壁画的发展就会滞留，甚至萎缩。随着晚唐社会的衰老，五代的动荡，艺术水平也不及从前。

五、中国化、生活化、世俗化的壁画

中国的传统壁画发展到宋已开始出现衰退迹象。宋代由于文人画的兴起和佛事的衰退，壁画的发展受到了很大影响。文人士大夫多不参加壁画的绘制，极大地影响了壁画的品质。值得一提的是宋代的道教壁画还有艺术水平较高的作品，

如在宋真宗赵恒支持下绘制的玉清昭应宫为杰出代表。此时的寺院壁画，用现实景象表现神话传说，形式上已完全中国化，其生活化、世俗化的程度前所未有。画风细密，设色艳丽，沥粉贴金，体现世俗之美，典型的宋代画风。元代的壁画与宋代相比就丰富多彩。留世的以山西芮城永乐宫三清殿的《朝元图》最为精美。成功地塑造了极为精彩的人物形象，体现出吴道子的画风。高超的线描体现了中国传统线描的极高水平。整个画面线条流畅细劲，丈余长的帽带，见不到接笔的痕迹，似一气呵成。衣冠宝盖沥粉贴金法的应用，造成金碧辉煌的效果，极强体现了元代的盛况。此时的敦煌壁画是中国古代壁画最后的闪光。莫高窟“千手千眼观音”，线描极为精彩，用不同的线表现不同的质感，是中国古代线描的顶峰。总之，宋元时期的壁画，生活气息浓，民族特点强，绘画技法多样且有发展。由此可以说，中国古代壁画只有不断地交流、吸收、融合、发展和创新，才能使中国传统壁画绽放异彩。

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中图分类号：J632.12 文献标志码：A 文章编号：1007-0125（2016）12-0094-02

笙是一种独特的民族器乐形式，乐器最早的用途就是在人类祭祀活动、丧葬仪式、战争、婚礼当中使用，作为一种仪式感的事物。后来才开始在人类的生产当中进行使用。到了近代，器乐的功能逐渐转变，成为了一种娱乐性乐器。笙在中国受到许多人的喜爱，在古代中国和外国进行交流后，笙就在不同渠道传入了外国，并且在外国生根发芽。虽然现在笙的造型有许多，但是它的演奏方式和艺术特点仍然相同没有变化。这不仅仅是文化艺术的传承，更是民族血脉的延续。无论是艺术表演还是艺术教学，都将其作为重点对象去研究分析，通过这种分析，可以更加全面准确地了解笙的艺术魅力。

一、中国传统器乐笙的历史概述

笙是中国传统的艺术器乐之一，它糅合了民俗民间文化的特点，并且经过了漫长的沉淀期，经过了许多不同类型艺术形式的侵染，形成了一种原生态的丰富多彩的民族器乐形式。目前留下来的笙曲目都是具有代表性的曲目，集中体现了笙的精髓，具有重要的指导意义和研究价值。

笙的历史可以上追至上古时代。民族器乐的雏形是祭祀，古代人民由于对大自然怀有敬畏，常常要通过祭祀鬼神的办法来祈求太平，在祭祀活动里就会进行一些器乐的吹奏，笙的最早雏形在祭祀当中可以见到。这种民族器乐吹奏动作简单，形式直接，可以算是比较容易操作的吹奏器乐。古代宫廷的民族器乐有很多就是受到笙的启发制作出来的。宫廷的主人为了求福避祸，常常会进行这种民族器乐仪式。随着时代的发展和社会的进步，我国从周朝开始至汉、晋、唐代，对于民族器乐有了专门的定义和分类，并且开始走向专业化道路。宋元时期，笙达到巅峰，民族器乐开始逐渐渗入音乐、戏剧当中，并不断丰富。到了清朝，笙已经十分普及。

二、中国传统器乐笙的演奏方式

笙的吹奏比较简单。它的原理和歌唱的发声原理类似。人的声音和乐器发声相同，都是由一个发声质体和几个共鸣腔共同形成。但是不同的是，人声主要依靠喉头（声带）来完成，那么起到共鸣腔作用的是喉头部分。而杓状会厌壁通向喉头的关键共鸣腔，俗称为咽腔。咽从口的后部向上延伸到鼻咽腔，然后入口到延伸食管的位置，也就是喉腔。咽腔的运动原理其实就是和其他体内的管道相同，通过它的纵向肌肉和轮肌，进一步进行长度和宽度的变化。这种变化就是声音的变化。我们平时所说的，吹奏器乐，要先学会开嗓子，其实就是这个道理，如果喉咽腔打不开，就不能形成管状通道，无法进行气息的运动、呼吸，声音就不会变得通畅，也就无法打开嗓子，进行吹奏，声音也就无法变化。只有学会正确的使用咽腔，让声音达到共鸣效果，这样才能更好驾驭笙的演奏，完成表演或者学习任务。正确的咽腔共鸣既是一门学科，也是一门实用的艺术。每一个笙的学习者在歌唱作品之前，都要通过严格科学的系统训练，才能具备吹奏笙的基础和条件。这不是一日之功，需要长期的训练和有效的培养。咽腔共鸣作为基本功的存在，对于笙的额吹奏技艺提升比较实用，在现代歌唱艺术的背景下，作为一种音乐表演的手段，咽腔共鸣对于笙的吹奏的观念和认识也发生了很大改变，这是和时代的发展密不可分的。

笙按照簧片分为17簧、21簧、24簧和36簧几种，在形状上面分为圆笙、方笙、加键扩音笙、抱笙、次中音小排笙等几种。笙是由笙斗、簧片、笙_、笙苗、笙箍、按音孔等结合而制。最早的笙，用匏（葫芦）制作，到了宋代，由黄木制作，直到现代才变为铜体质。如果是竹管的笙，右手食指可以插入孔洞。在吹奏笙之前，首先，利用喉咽腔对呼吸进行调节。当人张口呼吸时，喉、咽就处在张开状态，张开越充分，气流就越舒畅。并且不会感到难受。喉咙也没有负担。这样才是吹奏笙的基本功。初学者要注意的是，不能让嗓子感到疲劳和紧张，否则就会破坏喉腔和咽腔。其次，鼻咽腔可以突出高音。吹笙的高音的人就必须要学会使用鼻咽腔。因为高音需要一种关闭嗓子的技巧。这种关闭是循序渐进的，逐步的关闭，达到高音的效果。是有一个过度的步骤。最终把高音放在鼻咽上面，才可以产生高音的振动和持续发声。

三、中国传统器乐笙的艺术特点

首先，情景模拟。笙器乐的特殊构造决定了它的演奏方式，它可以表现出人声包括自然声音的味道，这是它特殊的共鸣箱产生的效果。而且这种模拟非常自然流畅，浑然天成，演奏的变化也丰富多样，在指法上面只需要简单的配合就可完成。

云南的傣族作品中也大量的包含了人声模拟的元素。傣族本身就是一个善于模仿的民族。他们的音乐，他们的舞蹈都是如此。比如孔雀舞，是一种载歌载舞的艺术作品，有歌曲也有舞曲，充分反应了傣族的作品模拟特点。笙的特殊音色，如泣如诉，就像孔雀在低沉诉说，也像孔雀在独自欣赏自然的美色。配合笙的演奏，有如情景再现。

其次，展现民族特性。笙之所以能够在中国传统器乐当中占据一席之地，与它特殊的民族性分不开。民族乐器扎根于民间，汲取民间的养料，吸收民间的文化，因此它具有丰富的民族特性，可以说是民族的一颗“活化石”。无论是音色还是韵味，都能够体现民族之中包涵的特殊魅力和顽强的艺术生命力。

笙的演奏表现力丰富，可以表现壮烈悲惨的意境，也可以表现柔情似水的意境。如，当民族儿女豪情万丈时，笙就用高音吹奏来表现，展现了大家的英雄气概；当人们安详快乐时，笙就用缓慢节奏配以低音，缠绵悱恻，温柔甜蜜。这种转化浑然天成，收发自如。因此说，笙器乐在演奏民族生活的时候，非常自然，贴切适合。尤其对气场的表现，更是符合少数民族的民族特性。对内心世界的描述，也十分自然。这两种形式的结合并不是偶然造成的，而是各自的艺术内涵所决定的。一经结合，便相得益彰，这都是以深厚的民族文化为根底的。

最后，表达精神韵味。韵味主要是笙演奏时的韵味。这种韵味是针对演奏对象所表现出来的艺术知觉。当笙在处理演奏对象时，为了完美体现演奏对象，就要尽量做到形似、神似、气似。就是我们通常说的描写。

我国云南、广西等地区的少数民族作品大多以情景为主，突出情景中的气氛、韵味。笙为了表现这种情景，就必须要展示出民族韵味。民族韵味是一个民族的核心精神气，它是最难以把握的东西，也是最真情、最直接的流露。这些表现力是笙演奏的独到之处。总之，笙作为一种民族器乐，从民族精神当中汲取营养，因此最符合民族文化特征。

四、结语

综上所述，笙具有悠久的历史和深厚的艺术积淀。作为一种活文化，它既展示了中国悠久的历史文化和民风民俗，又融合了不同类型的艺术形式精华，因此研究笙的历史和发展特点具有重要的人文价值和历史意义。

参考文献：

[1]乐声.中华乐器大典[Z].北京：民族出版社，2002.

[2]乐声.中华乐器大典[Z].北京：民族出版社，2002.

[3]张之良.中国大百科全书・音乐民族器乐：“笙”[Z].北京：中国大百科全书出版社，1995.

[4]罗艺峰，钟瑜.音乐人类学的大视野[M].上海：上海音乐出版社，2002.

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中国是四大文明古国之一，有深厚的文化底蕴。但由于政治、经济的原因在近200多年以来在文化艺术方面几乎停滞不前以至于与整个时代有很大的差距。而由于近年来我国的改革开放和经济发展对艺术设计方面的需求却是空前的。在我们设计发展的初期只能是在借鉴外来文化的基础上建立的，这是发展的必然阶段。

在当代社会人类的物质文明和科技水平都达到了一个空前的水平，而中国作为一个自强不息的大国在各个方面都不甘落后于人，在艺术设计领域尤其需要新的创新和突破，这不仅仅是民族自尊心的作用，最重要的还是经济、政治和文化等多方面的需求。

一、中国传统文化的特点：

传统不是落后和过时，它像流水一样，是民族自身演变的过程。中国是个历史悠久、民族众多的国家，同样她的传统文化也是最复杂和深厚的。地域的广博造成了文化的多样性，但悠久的历史又促成了其文化的兼容性。这些纷繁、复杂、厚重的传统文化才是我国艺术设计者取之不尽，用之不竭的宝库。

目前很多文艺工作者发表自己的观点，反对中国的传统思想，认为造成中国目前现状（主要指对目前中国在世界上的政治、经济和军事地位不满意）的主要罪魁祸首就是“儒家”思想，认为正是其造就了中国的“农耕文化”和“羊”的精神。这一观点在去年最流行的小说《狼图腾》中得到了较完整的阐述和论证。我完全赞同他们的观点，5000年的封建文化曾使中国在300多年前就站在世界之巅（中国在乾隆年间的国民生产总值占当时世界整个生产总值的一半还多）。但又恰恰是这种最为完善统治制度阻碍了中国近代的发展。但我们同样应该认识到“农耕文化”被“狼文化”取代，“野蛮人”打败“文明人”其实不仅仅在中国历史上是定理，而应该说这是放之四海而皆准的公理。在全世界的人类历史上都是这样： “希腊人”赶走“爱琴海人”（特洛伊被希腊人摧毁）；“罗马人”取代“希腊人”，“英国人”打败了“西班牙人”，而最终“日不落帝国”的霸权又拱手让给“山姆大叔”,历史从来都是这样,但是谁又能说希腊文明应该抛弃呢？“罗马神话”恰恰是全面抄袭了“希腊神话”，就象“宙斯”和“朱庇特”的关系。就是现在谁会认为英国人在文化艺术上的成就逊于美利坚国。“胜则为王败则寇”仅仅是在政治和经济方面，而艺术上却恰恰相反。如果将成吉思汗与赵佶在艺术领域上的成就进行比较，宋徽宗虽是亡国之君但其在书画方面的造诣是一代天骄骑着“汗血宝马”都追不上的。任何文化都有正面和负面的影响，就象殖民地文化的最大好处是当地人的外语（入侵民族的语言）基础有着得天独厚的条件一样，中国长期的腐化和奢靡的封建社会生活习气恰恰成了滋生民族传统文化的温床。可以概括的说，中国的传统文化包罗万象，其涉及面十分广博，艺术设计工作者应从中吸取相应的文化元素将之融汇贯通加以利用，其实“古为今用”在当今中国艺术设计领域里比“洋为中用”还管用。

二、传统文化在艺术设计中的应用

直接应用---主要是针对不同的载体，在中国传统文化元素中慎重的选取相应的图案或符号，发挥其原有的图形信息。但这种直接使用在使用时应注意使用环境和材质。这种使用实际上最为简单和实用，初学者往往愿意使用但一定要注意在组合上不能是简单的堆砌，而要注意其融合。否则直接罗列和附着会给人一种突兀或牵强附会之感。这方面的成功作品中以大连金石滩的“万福鼎”最为典型。该鼎高5.6米(代表中华56个民族),宽4.8米(代表四面八方)，其四面由8888个小福字组成。寓意深远的数字构成与应运而生的吉祥个数,囊括了其能够祈福呈祥的所有含义。

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中国雕塑具备着悠久的历史，在几千年的岁月洗礼当中，流传下来的雕塑作品浩如烟海。在石窟、寺庙以及博物馆当中我们都能够体会到我国传统雕塑的博大精深。

地理和文化是对雕塑产生影响的两个主要方面，我国的传统雕塑主要是以华夏民族自由的地理区域和民族性格为内核，通过雕塑这种形式来进行表达，反映了我国传统的文化精神和艺术语言形式。所以我国的雕塑具备着很明显的民族特色和区域的特色，对于我国雕塑的特点进行研究，就必须要深入地了解我国的地理环境和民族文化，这是能够深入理解我国雕塑，更好地对雕塑进行继承和发展的要点。本文主要对我国传统雕塑的基本特点进行简要的总结，对传统雕塑的继承问题进行分析，并提出我国的雕塑应该发展和前进的方向。以利于我国的精神文化和物质文化更好地继承和发扬。

一、我国传统雕塑的特点

我国的传统雕塑经历了很长一段时间的发展历程，在发展的过程当中因为地理和文化的差异，存在着不同的风格，雕塑所采用的材料也不尽相同。但是有一种未曾改变，那就是对于雕塑的内在美的追求。任何一种样式的艺术之后都有相应的审美理念的支撑，对于雕塑当然也不例外。对我国传统雕塑的特点需要从三个方面进行分析，包括简约性、写意性和意向性。

1、中国传统雕塑的简约性

从现在保存下来的我国传统的雕塑作品的整体来看，它们在造型处理上大多是运用简化的手法。这里所说的简约性是指用最少的工序达到最好的效果，对于整个雕塑来说，即是采用最少的人工琢磨，而达到最好的意境效果。这正所谓是大音希声、大象无形，中国的传统艺术中完全融入了朴素的思想，是需要通过除去华丽的多余的表象，才能够体现出来的。传统雕塑的简约性则具体表现在雕塑的外形简约和面部五官简约，外形简约主要表现为整体躯干近似长方形，手臂和衣服没有多余的形状起伏。而面部和五官的简约则主要是体现在眉毛被简单的概括成两条曲线，而鼻子也近乎是一个几何图形，没有鼻骨的转折和肌肉的变化，对于细节刻画十分的粗略，而这种简约的头部造型也是展现我国传统人物雕塑神韵的主要手段。

2、中国传统雕塑的写意性

国画中有一种手法名为写意，其实在艺术当中，万法皆通。传统雕塑的写意性则更多的是表现在“以线入体”这四个字上。何为以线入体？在我国传统雕塑艺术系统当中，线是最基本的组成部分，对于线的审美，是通过平面的线条互相的交织而形成的立体的空间表现形式。在传统的雕塑当中，线条的运用是在形体的美感之外的造型语言，它和整个立体的空间上的造型互相补充，从而形成一个完整的语言体系。中国传统艺术以线入体的文化根源主要是在中国的工艺美术。在我国最初的彩陶作品当中，雕塑和绘画互相补充。中国雕塑的这一特点一直流传下来，后期在进行雕刻的过程当中，都是先勾勒出草稿，然后付诸于雕刻。这就使得中国的传统雕塑具备了写意的特征，所体现出的线性美感和引发的思考，已经远远的超过了雕塑自身的立体空间感。给整个雕塑本身围上了一层神秘的气息，成就了传统雕塑似与不似之间的美感。

3、传统雕塑的意向性

我国文化的内涵当中有一点是物化于外、意存于内。也就是说在人们通过感官对于事物有一定的感觉之后，然后从精神上深层次的体会事物所内涵的深层次的含义。中国的传统雕塑更是深得中国传统文化的其中三味。它所要强调的是超脱于现实之外，但是寓乎于情理之中。意向是审美主客体的相统一、相契合的产物，这个我们众所周知。所以在这种思想的引导之下，我国的传统雕塑肯定具备着强烈的精神追求和意向性。例如，在汉朝大将霍去病墓前的雕像，并没有事先确定整个雕塑的造型，而是根据石料来决定采取一个怎样的雕刻手法和方式，其利用石材的本身走势，稍微加以雕琢，再赋予文化的内涵，大将的形象豁然而出。在似与不似之间，就让人印象深刻，寓情于物，体现了人与自然的和谐统一，成为我国传统雕塑之中的典范之作。

二、中国传统雕塑特点的继承和发展策略

从目前的雕塑发展情况来看，可谓是如火如荼。全国各大城市随处可见所谓的城市雕塑，很多造型抽象、示意不明的现代化雕塑矗立于城市的各个角落。其主要目的是为了提升整个城市的环境和文化品位。但是，从实际效果来说，并不见得如此，很多的城市建筑不仅不具备艺术性，反而有伤风化。还有些城市的雕塑一味的求高、求大，完全不具备城市本身的内涵。这样的雕塑林立不仅没有提高城市的文化和艺术氛围，反而在建造的过程当中浪费了巨额的资金，这是得不偿失的。究其原因，其中最重要的一点是因为现代雕塑对于我国传统雕塑的精华没有很好的吸收，不能做到有效的继承和发展，使现代的雕塑缺乏前进的方向，充满着无力感。因此，对于现代雕塑的现状反思，我们就应该充分的吸收传统雕塑当中的精华，以此来促进现代雕塑的发展。

1、区分传统雕塑，取其精华去其糟粕

我国的传统雕塑作品可谓是浩如烟海，其中难免会存在很多的糟粕，所以为了我国传统雕塑的特点的继承和更好的发扬，第一步就应对传统雕塑进行必要的区分，学习其中的优秀之处。对于我国传统雕塑当中的精华作品，我们前人大多都做了很多的评述工作，但是仅仅对于优秀作品的评述，是远远不够的，我们还需要对我国传统的雕塑进行优劣的区分，对于劣质的作品也要进行一定的评述，见贤思齐，见不贤而自省。在我国的传统雕塑中，石窟占了很大的一部分比重，但是有些石窟因为年代久远，在花费大量的时间和金钱进行考察的过程之后才发现，有些石窟雕塑已经风化难辨，没有任何的艺术价值，有些石窟作品极为的低劣，也不具备艺术研究的价值。所以雕塑界必须要对劣质的作品进行一定的评述，以此来警示后人，让他们少走弯路。区分传统雕塑，对于劣质作品进行评述，是一项长期而且深远的工作，这需要大量工作人员的不懈努力，才能有所建树。也只有这样，才能使传统雕塑为我国目前的雕塑发展做出更大的贡献。

2、深入研究传统雕塑，不能浮于表面

一种艺术能够屹立于所有艺术当中，并且有着很强的生命力。那就可以说明一点，这种艺术是有其自身特点的，虽然特点不一定是优点。所以在对我国传统雕塑的研究过程当中，一定要深入进行研究，不能只做表面文章，要深刻地了解传统雕塑中那些被世界广泛承认的特点，并进行集成和发扬，以此来推进我国现代的雕塑产业的发展。我国现代的雕塑是对传统雕塑的继承和再创作的过程，而目前在这个过程当中出现很多的问题，这就需要我们深入的了解我国传统雕塑所具备的特性。第一，我国古代的雕塑的实用性是毋庸置疑的，从司母戊鼎到四羊方尊，从日常器具到祭祀用品无不体现出这一点，而现在我国大多数城市的雕塑片面的求高、求大，不具备良好的实用性，也不具备深层次的含义，不仅劳民伤财，更重要的是对于城市的整体艺术氛围的提升没有丝毫作用。第二，我国的传统雕塑具备着写意的特性，也就是说以线入体的特质。从我国现在的大多数雕塑来看，已经完全的脱离着这一观点，雕塑已经自成一体，不再具备写意的特质，造型单一、缺乏似与不似之间的中国传统审美观念，引发不了群众的共鸣，所以对于城市氛围于事无补，但是有一些良好的作品还是可以体现出我国传统雕塑的写意特征的，如甘肃兰州的“黄河母亲”雕像，就十分恰当的诠释了这一点。第三，我国的传统雕塑具备着意向性，也就是说在通过感官的了解之后，可以引发更深层次的思考，但是现在看来我国的大部分城市建筑很明显没有体现出这一内涵。所以，如果想使我国现代雕塑得到更好的发展，就需要深入的研究传统雕塑，不能只做表面文章。

3、动手操作，加深对传统雕塑的理解

俗话说“光说不做假把式。”所以，如果想要真正的理解传统雕塑当中的精华，并将其完美的应用于现代的雕塑当中，就必须要提倡我们当代的雕塑家动手临摹，通过模仿和在模仿基础上的再创作，加深对于传统雕塑中精华的体验。在具体临摹的过程当中应该时刻的提醒自己，不是为了临摹而临摹，也不是为了将传统再现，而是为了将传统当中的精华更好的运用于现代的雕塑创作当中而临摹。只有让传统立足于当代，服务于当代，传统雕塑的精髓才能够显示出其现实的意义，才能让现代的雕塑寻找到前进的方向，更好的前行。

三、结语

中国现代的雕塑发展是一个十分艰巨的任务，特别是在文化的更新速度加快的今天。所以现代的雕塑发展，必须要充分的吸取我国传统雕塑当中的精髓，并在实际的发展过程当中，对于传统雕塑当中的实用性、写意性和意向性要进行充分的理解和吸收。同时，在现代雕塑发展的过程当中，还应该对传统雕塑的作品进行区分，使后来者少走弯路，更好的走进雕塑的殿堂。最后，在加深对传统雕塑的理解过程当中应该亲自动手操作，更好地去琢磨传统雕塑中的精华，以便于更好地继承和发扬传统雕塑的特点。

【参考文献】

[1]孙冀东，姜文博.中国古代建筑装饰雕塑的形式与功能分析[J].河北大学学报（哲学社会科学版），2011（1）.

[2]欧阳劲松.浅析对中国古雕塑发展史的研究[J].景德镇陶瓷，2011（1）.

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古筝作为中国传统民族乐器中的大器，在与现代流行音乐元素相结合后，符合了大众对于音乐的新理解。这种“新形式”的古筝民乐表现形式，有着不一样的艺术风格与特点，在研究如何将民乐乐器与流行音乐相结合的今天，有着重要的意义。

顺应时代潮流，发掘民族音乐精华

传统的古筝音乐不但对演奏者水平要求高，观众也需要有相当水平的文化积淀和音乐素养，这在高节奏且讲究快餐文化的今天，很难吸引更多的听众，成了小众之器，限制了自身的发展。因此，在现代古筝音乐演奏中，演奏者身穿靓丽的衣服，跟随旋律的变化来扭动身体，节奏简单、明快，使观众很快就能进入到音乐当中，享受其中的乐趣[1]。

音乐是一种听觉艺术，而现代古筝音乐在保留原有优美的音乐效果、深邃内涵的同时，增强了新的时代魅力。很多人熟知的《沧海一声笑》就是用古筝演奏出来的，古朴的韵味符合了现代社会的需要。

借鉴现代的流行元素，保留了原有的特色

1.保持原有风格的同时融入了西方式结构

国内现在包含古筝乐器的成功乐队无一例外地证明，只有摆脱传统音乐理念的限制，将西方与现代的流行元素，与传统古筝中的演奏技巧、精神内粹才能获得真正的成功。现代的古筝作品，是建立在中国传统文化土壤上，又结合了新的表现手法和技术特点的时代作品。在题材上依然采用了传统常用的题材，如人物传记、自然场景等。在旋律上，虽然降低了高音为主的地位，加了大量弱化元素，但高音仍然是现代古筝曲目中最重要的构成要素。

在创作与演奏技法上，现代古筝音乐仍然保留了传统的五声音阶。虽然融入了大量现代音乐元素，但是不同的流派保持着自己鲜明的风格特色。新的作品保持了原有的美感，同时加强了对细节音的处理，这在散板音符处理上尤为突出。在筝曲的结构上，很多都采用了三曲式的西方曲式结构。

在演奏技术上，适合现代表演的技法得到了保留，而那些过于舒缓、沉重的技法却很少出现在音乐会和新的作品上。托、抹、勾、撮四种技术保持不变，而不符合现代演奏要求的“劈”却很少被使用，而长音更符合现代音乐作品的需要，使用频率相比传统得到了更高幅度的应用。这些演奏技术的改变，也反映了古筝这一传统乐器为符合时代需求而发生的转变。

2.出现了“新筝”结构

古筝的结构相当长一段时间都保持固定结构，而“新筝”的出现改变了这一情况。与原有的相比，“新筝”的声音更大，拥有浑厚的低音，更加清亮的中音，琴弦由原来的二十一个增加到五十个[2]。筝码位于整个筝板的中部，可以在不改变古筝原有的技法前提下，只需要很短的时间加以训练便可以演奏。音域从大D延伸到小b，解决了原有变奏的困难，增强了乐曲的表现力。还增加一个移弦的装置，提高了演奏时移码的准确性，使普通的演奏者也能弹出优美的筝曲。

3.学习了西方的曲调结构

传统的筝曲多为小型曲式结构，而现代筝曲的主题内容更为丰富，这就要求结构必须适应时代的要求，采用更合适的曲式结构。因此，新的筝曲作品很多采用了二原则、三原则和双重结构划分的形式。新的筝曲没有一味地反复，避免了给听众带来厌烦感，而是根据情景再现，将原样再现，简单再现和动力化再现相结合，这种模式在一、二级曲式结构都得到了普遍的运用，这种结构是曲调的西方曲调结构[3]。

古筝曲调、结构的创新与发展

1.新的定弦模式

传统的古筝定弦序列通常为五声音阶，但是一些筝曲作曲家大胆创新，创作出了包括七声等新的定弦方式作品。具体如：在保持八度一个周期的定弦时，根据主题的需要使用新的音阶；在与其他变体组合时，其中一组为传统的音阶，而另一组根据作品需要改变，形成鲜明的对比，让观众印象深刻；采用模式化的定弦，以半音数一个音阶，按照比例形成非八度循环周期；自由组合模式，没有固定的模式是最大的特点，具体的使用完全根据作品的需要而定，多种调戏的组合，大量地运用了变音等[4]。

这些新的定弦应用丰富了古筝的调声运用，扩散了运用的范围，使筝的“调”站在了新的高度，将传统调式和西方调式的限制消除，并成功地融合在一起。作曲家可以根据自己的想法，自由创作作品的整体风格与特点，让原有单一的调式变得丰富而又充满了饱满的效果。

2.运用了现代节拍

现代的筝曲大多采用小节解放的理念，在具体的小节安排上根据音乐的旋律来安排，第一个小节中都有强力拍节存在，让整个曲子拥有了强弱分明的循环。有的还采用了跨小节记谱的方法，将符尾直接穿过小节线，造成强音转移的效果[5]。

现代的筝曲节拍样式更多，改变原有中只有1/4、2/4和4/4的拍子类型，大量使用三拍子，八分之一音符也出现现代的筝曲演奏当中。

长音演奏方面，在传统的摇指的基础上，发展出了游摇、扫摇、多指摇、多弦摇，摇指时中指演奏单音等，揉合了长音和音效两种音响，丰富了表现力。借鉴了琵琶演奏技法的轮指，以及带有颗粒特质的快速抹托等长音技法，这些技法的使用为古筝长音演奏带来了新的音响。

3.音色的创新

现代筝曲的音色多种多样，有的清脆悦耳，有的模糊不清，有的就像在近处鼓动，也有的有远在天际的感觉。由于借鉴了西洋打击乐的技法，更有了现代架子鼓似的震撼力。现代的筝曲相比原有那种低沉感有了更大的音乐力度，有的甚至达到四个层次的力度标记，有的在一个乐段就会出现明显的强弱变化，有的在上下层次作出声部不同的力度变化。

4.演奏形式也增加了新的形式

现代的筝曲演奏除了传统的独奏形式外，还采用了协奏、重奏多种形式，伴奏的乐器也增加了钢琴等西洋乐器。采用这种形式的音乐会，可以更加突出古筝的乐器魅力，大大提高了音乐的张力。在与其他乐器合奏时，古筝一般位于主角的位置，发挥各自的专长，让观众沉浸在艺术的乐曲里。

结论

古筝在融进了现代的音乐元素，尤其是与西方乐器和音乐风格相结合，既保留了原有的音乐魅力，又展现了与以往不同的艺术风格，使这一中国传统的乐器和演奏乐器，在新的时代中焕发了新的光芒。

参考文献：

[1]阎爱华.当代古筝艺术发展之轨迹[J].艺术百家，2002，3（1）：29-32.

[2]闫苏.由“新民乐” 产生引起的思考[J].聊城大学学报 （社会科学版）， 2006， 3 （3）： 106-109.

[3]郁茜茜.浅谈中国筝乐的发展[J].艺术百家，2006，4（7）：55-57.

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中图分类号:G40-03 文献标识码:A

Traditional Traits of Russian Classical Music Education: International

Symposium on Music Culture Communication between China and Russia

GUO Meng

中俄关系几个世纪以来在持续发展着,尤其是新世纪以来的发展,开创了两国关系的新纪元。随着我国改革开放的深化和对外交流的进一步扩大,异质文化精华的借鉴吸收,已经成为我们现代化发展的必经环节。正如《望周刊》所说,中国人有着“永远的俄罗斯情结”①,正所谓“情动俄罗斯”。俄罗斯文化年的开展,为我们认识、学习俄罗斯古典音乐文化提供了机会和条件。而本次首届中俄音乐文化交流国际学术研讨会的圆满召开,对深入开展中俄音乐文化交流学术研究,促进中俄音乐交流发展,以及增进彼此合作创造了良好契机。

俄罗斯作为具有悠久历史和文明传统的大国,在世界文明历史中占有重要地位。了解外国包括俄罗斯的文化传统,吸收人类优秀文化精华,是我国改革开放的一个直接目标。尤其是深入了解俄罗斯古典音乐文化教育的发展过程,借以进一步与国际接轨,吸取其异国优秀文明传统,为我国音乐文化教育发展服务。也更希望借此对我国的现代音乐艺术文化教育得以借鉴,直接为我们当代的艺术教育建设服务。

一、俄罗斯古典音乐文化教育及其特色

作为一个充满音乐气息的国度,俄罗斯已经形成了全民爱好音乐的氛围,这种全民爱好音乐的特点,源于它有着古典音乐文化教育熏陶的优秀传统。而且,21世纪的俄罗斯经过了诸多社会剧变之后,其伟大的古典音乐不但没有消失,反而得到了更大的振兴,此间的原因,如同俄罗斯格涅辛音乐学院硕士生吕冬所说:“对古典音乐的热爱已经深深地嵌在每个俄罗斯人的灵魂里。”②简要概括俄罗斯古典音乐艺术教育的特色,至少有下面几点。

(一)从小培养,音乐艺术教育深入家庭

俄罗斯家庭普遍重视儿童艺术兴趣与爱好的培养,并不失时机地培养儿童的艺术感受力和鉴赏力,让儿童从小就受到艺术的熏陶。俄罗斯人最喜欢去的地方是戏剧院,常常是父母带着孩子,一家人兴致勃勃地到剧院去。观看演出时,每个人都很投入,时常报以热烈的掌声,演出结束时孩子们纷纷向自己喜欢的演员献花。音乐厅和艺术展览馆也是父母经常带孩子光顾的地方。孩子们从小就聆听许多世界著名的交响乐曲,感受到许多艺术作品的魅力。父母对孩子的这种通往艺术殿堂的引导和熏陶潜移默化地提高了孩子们的艺术修养。

游览艺术博物馆,是俄罗斯人的嗜好之一。在博物馆的艺术品前,年轻父母对孩子耐心指点、讲解。在周末和节假日,父母常常带孩子去公园、郊外,感受大自然的美,在大自然中放歌、作画、读书、凝思。这有助于把对周围世界的美的观察和感受,作为理解和体验现实生活的快乐、生活美的主要源泉之一,把大自然的美作为进行情感教育、审美教育的一种手段。正如前苏联教育家苏霍姆林斯基所言:“我们坐在大陵墓上,四周响起各种鸟儿和谐的大合唱,空气中飘荡着青草的芳香。我们沉默不语,不必给孩子们讲很多,也不必用叙述填满他们的脑袋……”“让孩子们从儿童时代起就喜欢听百花怒放的花园里和荞麦花盛开的田野上那悠扬的乐曲,欣赏春暖草地上和秋风细雨里那悦耳的旋律。”③这种从小给后代以艺术熏陶的做法,无疑为音乐国度的文明继承和发展,提供了绵延不断的艺术张力源泉。

(二)开设各级各类音乐学校,大力普及古典音乐艺术

据《国外学校和教育》④介绍,俄罗斯有许许多多的七年制儿童音乐学校,学生一边在普通学校学习,一边在儿童音乐学校学习。优秀的毕业生可以通过入学考试进入音乐学院。另外,还有大约1000所儿童歌咏学校。这些学校招收4至6岁的孩子,学制6至9年。除合唱外,可学习乐理基础知识和演奏乐器。俄罗斯有好几座儿童音乐剧院。俄罗斯的学校基础音乐艺术教育,分为强制性公共音乐教育、补充性公共音乐教育和音乐夜校等。音乐课在普通学校中是必修课,一般每周1课时。这类音乐教育是免费的,而且是必须接受的。传统音乐课的内容以音乐知识,音乐欣赏和合唱为主。教师授课时有较多的示范演奏和演唱。音乐课有统一规定的教学内容,使用我们国内较熟悉的卡巴列夫斯基的教学大纲。补充性公共音乐教育亦即上面所说的专门的儿童歌咏学校,七年制。音乐夜校也是免费的,包括音乐俱乐部、音乐小组等。音乐教育的多种形式,为俄罗斯古典音乐的普及,提供了良好的条件。俄罗斯中小学音乐教育的特点主要是:强制性公共音乐教育时间的延长,为九年。同时允许强制性音乐教育教学大纲的多样化。目前俄罗斯政府指定可供选择的教学大纲已经有5套⑤,每所学校可以从中任选一套。此外,音乐教育的实践活动非常丰富。中小学生经常利用业余时间排练举办音乐会,他们甚至可以演芭蕾舞剧、歌剧、交响乐、大合唱等一些难度较大的艺术节目。许多地方每年为少年儿童举办“音乐之春”、“音乐团”等活动,充分调动孩子们的积极性。社会各界也都大力支持学校音乐教育活动。有很多作曲家、出版社每年还为儿童出版多种音乐作品集,介绍音乐知识、传播音乐文化,培养孩子们的音乐欣赏趣味,让他们在美妙的音乐声中快乐而健康地成长。显然,俄罗斯古典音乐之历久不衰,自有所本。大力普及古典音乐艺术的结果,直接提升了俄罗斯民族的音乐文化素质。

(三) 政府大力扶持

即使是在经济转型、局势动荡时期,俄罗斯政府对古典音乐艺术教育也没有停止。如1999年7月,俄罗斯普通和职业教育部(2003年俄罗斯政府组织改造后已不存在)就专门颁布了《艺术教育大纲》,鼓励各种形式的音乐教育活动,强调加强全民音乐教育。政府的鼓励、支持和投资,使得音乐艺术教育成为全俄罗斯的小学和初中联邦课程、民族地方课程的重要组成部分。当前,俄罗斯小学和初中的艺术教育包括绘画、音乐、世界艺术和文化。又如俄罗斯政府给出了学校音乐艺术教育的最低限度要求,具体是:学生不仅要掌握音乐、绘画和表演技巧,而且更重要的是还要形成对俄罗斯和整个人类艺术和文化价值的认同以及正确的价值观念。从《大纲》中可以看出,俄罗斯中小学艺术教育注重对学生艺术理论和艺术修养的整体培养。俄罗斯的高等教育,更是重视古典音乐艺术教育,俄罗斯不仅专业艺术院校众多,且有很多综合类大学也设有艺术系。这些院校多年来培养了一批又一批优秀的艺术家。如果说高等学府是俄罗斯音乐教育金字塔的塔尖,那么各地音乐学院、艺术中学、小学就构成了坚固而又庞大的塔身。正所谓“为学要如金字塔,又能博大又能高”。再如,俄罗斯政府放开政策,鼓励支持各种音乐艺术教育活动齐头并进。除了强制性音乐教育之外,还开设有专门音乐学校和音乐夜校,这些都是政府出钱,学生免费接受教育的。正是政府的大力扶持,使得俄罗斯古典音乐文化教育蒸蒸日上,为民族的音乐艺术发展,添加了强大的行政力量。有人统计说,按人口比例来计算,俄罗斯青少年中学习音乐的人数在世界范围内都是名列前茅的⑥。

(四)丰富音乐艺术教育的内容

俄罗斯艺术教育的内容是非常丰富的。不管是家庭教育,抑或是学校教育、社会宣传,都强调教材容量的饱满和古典音乐教育内容的丰富。俄罗斯音乐艺术教育的教材内容突现下述几个特点。

一是大量的古典音乐艺术内容被编进教材。在各级各类学校和艺术学院的教材中,都有着大量的古典音乐、民族音乐、民族舞蹈的丰富内容。例如从格林卡奠定了俄罗斯民族乐派的基础以后⑦的音乐艺术成就,都被编进教材。许多优秀的作家作品都成为音乐艺术教材的首选。如格林卡的《为沙皇献身》⑧《鲁斯兰与柳德来拉》等,达尔戈梅斯基(Alexander Dargomyzhsky,1813―1869)的《水仙女》和《石客》等,此外还有五人团⑨、柴可夫斯基(Pyotr Tchaikovsky,1840―1893)、拉赫玛尼诺夫(Sergey Rakhmaninov,1873―1943)和斯克里亚宾(Alexander Skryabin,1872―1915)等。教材中,柴可夫斯基承袭的欧陆浪漫乐风,葛令卡作品的俄罗斯的民族性活化,巴拉基列夫、库伊、鲍罗定、穆梭斯基与林姆斯基•高沙可夫等的国民乐派,以及史克里亚宾的不寻常的音色探索,史特拉汶斯基频掀波澜的经典作品,悉数被编进教材。这些丰富的内容,展现了俄罗斯古典音乐的丰富与繁盛,成为俄罗斯青少年艺术追求的典范。

二是教材将世界上古今一切经典性的文化艺术遗产融入课堂教学,使之成为学生成长的文化养分。如世界文化艺术的基本风格和潮流、古俄罗斯音乐艺术、古代和中古文化艺术的特点、文艺复兴时期艺术的人文主义、17至19世纪上半叶欧洲艺术中的古典主义、17至18世纪西欧的启蒙思想及其在艺术中的反映、19世纪文化艺术中的浪漫主义和现实主义、19至20世纪俄罗斯的艺术生活、20世纪文化发展的基本趋势、20世纪末艺术的新形式和新体裁等等,都成为俄罗斯中小学艺术教材和课程的设置内容。

三是教材主要强调古典音乐反映的民族精神和高雅特色,包括民歌、民间舞蹈、民间节奏等,选择表现民族特征,具有浓郁的生活气息和高雅的艺术特色。俄罗斯主要音乐家的作品有的深沉宏伟,有的敏感细腻,无不深刻地反映了作曲家们处在剧烈变革时代热烈而又丰富的心路历程。如柴可夫斯基的芭蕾舞剧《天鹅湖》、第六交响乐《悲怆》,拉赫马尼诺夫的钢琴协奏曲、声乐套曲,普罗科菲耶夫、肖斯塔科维奇的交响乐、弦乐四重奏等,从诞生之日起就受到了俄罗斯乃至全世界听众的广泛欢迎,时至今日依然是各大歌剧院、音乐厅里经久不衰的保留曲目。这些具有代表俄罗斯先进文化的作品,都为俄罗斯音乐艺术教材所极力推崇。

(五)继承传统,致力创新

俄罗斯政府和艺术界人士专注于古典音乐的教育和发展,并致力于不断地创新,使得俄罗斯古典音乐在新的历史条件下,放射出了更加璀璨的光芒。多年来,继承了俄罗斯音乐文化优良传统的古典音乐高雅艺术,伴随着具有音乐天才和前卫思想的新生代的加入,正沿着世界艺术的发展轨道前进。俄罗斯音乐教育创新的成果突出表现在融合与推陈出新上。其直接的成果是出现了许多新的剧团剧院,在莫斯科,由叶夫盖尼•卡拉伯夫主倡的新歌剧院和德米特里•别尔特曼领导的盖利公歌剧院就很有代表性。同时还产生了包括把交响乐、爵士乐、歌剧与音乐剧合为一体的新风格流派。

音乐艺术范围逐渐扩大,高雅音乐正在探索一条现代化的道路。比如歌剧中的表演成分越来越多,导演有时会忽略音乐和歌唱的表现之间的差异,力图使演出更具现代感。又如引起观众极大兴趣的国家模范交响乐团与“蝎子组合”的联合演出,也是在寻求传统文化与流行文化的结合点。概括起来,俄罗斯古典音乐教育的继承创新主要体现在以下两方面:

人文性与经典性的结合。俄罗斯人不是把艺术视为单纯的消遣娱乐或单纯的技艺,而是把它视为人类文化的积淀和人类想象力与创造力的结晶,这样的理念具有极高的人文价值。当前,俄罗斯音乐艺术教育在课程设置上将具有艺术史意义的艺术作品和其他相关的学科知识,作为艺术教育和教学的核心内容。如多少世纪以来俄罗斯各民族的文化遗产、艺术发展的联系和价值、俄罗斯各民族的文化对世界艺术和文化的贡献,等等。我们认为,人文性和经典性的结合,就是一种创新。

强调体验和实践创造。俄罗斯古典音乐艺术课程在大量充满情趣的个人或集体的创作、表演、欣赏、交流、评价等活动中,为学生提供丰富的感性材料和信息,使学生尽情地、自由地参与多种艺术活动,体验艺术学习的快乐和满足,获得身心的和谐发展。通过这些具体的实践活动,鼓励学生的创造,音乐艺术课程涉及的各种创意、设计、制作、表达、交流以及多视角的连接和转换,为学生提供了创造性地解决问题和发挥其艺术潜能的机会,赋予他们表现自我和发挥想象力的空间。例如,每个学期,学校、文化宣传部门都要开办节日演出、周末舞会、专题调演等活动,这些都是学生表现自己发展自己,进行音乐艺术实践的极好机会。正是家庭、学校和社会都在大力强调音乐艺术教育的体验和创造,才使得俄罗斯古典音乐艺术在新的历史条件下,仍然保持着旺盛的生命力。这种艺术张力是永恒的。有人说,在柴可夫斯基、拉赫玛尼诺夫之后,俄罗斯的音乐没有静止,没有凝固,没有被所谓的“现代艺术只能屈从浅薄的市场化”理论所吓倒。“俄罗斯的流行古典音乐让人相信,一个血液里流淌着音符的民族,有的是乐观放达的个性,异彩纷呈的生活。”⑩这除了源于俄罗斯民族对音乐的偏好和根深蒂固的艺术情结之外,俄罗斯古典音乐本身的永恒魅力和俄罗斯音乐艺术教育的执著,应该是首要的原因。

二、对俄罗斯古典音乐文化教育优秀传统特色的思考

如果说俄罗斯的古典音乐,以其博大精深和丰富繁盛充实着文明世界,在国际上产生重大的影响,那么,俄罗斯悠久的音乐艺术教育传统所熏染的国民音乐文化意识、高雅的艺术追求,成为世界各国有凤来仪的艺术旗帜,那就显得非常自然了。提高文化艺术素质是举世公认的美化心灵的重要手段。作为一种热烈的社会现象,俄罗斯古典音乐的教育普及,给我们以深刻的启示,俄罗斯在这方面的优良传统有很多地方值得借鉴。

近年来,美育被列为教育方针的内容之一,音乐教育事业获得迅速发展,取得了许多优秀成果;随着国际音乐教育交流活动的日益增多,国外一些可供借鉴的音乐教育思想和教学体系被系统介绍和引进;教学手段正逐步得到改善和提高,这一切都为我国音乐教育的继续发展奠定了良好的基础。综上所述,我们可否探讨和归纳俄罗斯音乐艺术教育的特色并予以思考。

(一)让音乐艺术教育深入人心,感受和体会被良好古典音乐文化教育熏陶的优秀传统。

在俄罗斯,音乐课全称是俄罗斯音乐文化。通过教材让学生认识俄罗斯民族民间文化和世界音乐文化、现代和古典音乐经典之作,衡量文化与历史之间的关系及其独特的个性。俄罗斯家庭普遍重视儿童艺术兴趣与爱好的培养,并不失时机地培养儿童的艺术感受力和鉴赏力,让儿童从小就受到艺术的熏陶。

(二)丰富的音乐文化教育内容 ,成为了俄罗斯青少年艺术追求的典范。

大量的古典音乐、民族音乐、民族舞蹈等丰富的音乐文化内容被编进教材并成为广大青少年的必修课,将世界上古今一切经典性的文化艺术遗产融入课堂教学,使之成为学生成长的文化养分,强调古典音乐反映的民族精神和高雅特色,透过音乐反映人类伦理道德。通过对现代艺术的学习,了解自己民族音乐文化,知道二者之间是相互的。这些具有代表先进文化的作品,都为俄罗斯音乐艺术教材所极力推崇。

苏霍姆林斯基曾经说过“音乐教育不是培养音乐家,首先是培养人。”卡巴列夫斯基自己也说:“艺术课程与技术课程的原则区别,就是在于任何一个真正的艺术作品都要有道德因素和美的因素。”我们可以把这个观点作为理解这一问题的一把钥匙,通过这些,发展学生的思维,拓宽了视野,活的良好感知,使他们感受到音乐、文学、造型、艺术及人类文明历史之间的相互联系,尤其是感受音乐与生活的联系。将此作为一种艺术、一种修养、而不是餐桌上淖袅希不是消遣而是生活中重要的一部分。让学生学习这些音乐知识后,能够积极投入到美好的生活中,更多的参加音乐活动。通过音乐本身的规律和特点来教育,音乐教育是关系整个人类社会的文化事业,如果把社会音乐文化看成是大环境,那么学校音乐则可以认为是小环境。大小环境是相辅相成、彼此影响的。从每一堂课和每个教学环境的营造到相关教育制度的制定,再到整个社会的音乐市场机制的建立,有利于形成高水平的音乐市场与高素质的观众相互需要的环境,正是这种环境成就了音乐教育繁荣和普及的土壤。前苏联著名教育家苏霍姆林斯基认为:“音乐文化是培养道德文明的重要条件之一,美妙的音乐、旋律和音响是人们道德和智慧培养的重要手段。是人们形成美好心灵和纯洁精神的来源。”

① 《中国人永远的俄罗斯情结》,《望东方周刊》, 2006年1月11日。

② 吕冬《俄罗斯古典音乐嵌入灵魂》,《人民日报》,2006年6月28日。

③ 李范《苏霍姆林斯基论美育》,湖南人民出版社,1984年版,第12页。

④ 《网络电子读物》,。

⑥ 同②。

⑦ 格林卡(Mikhail Glinka,1804-1857),为国民乐派的奠基者。确立了俄罗斯民族音乐的发展方向,开启了俄罗斯民族音乐的新时代,被尊称为“俄罗斯音乐之父”。

⑧ 《为沙皇献身》又名《伊万•苏萨宁》,描写一位普通老农为国捐躯的故事,音乐采用了民间音乐的素材,曾被讥讽为“马车夫的音乐”,然而最终还是被承认为第一部俄罗斯歌剧。

⑨ 五人团(又称“强力集团”)是20世纪60、70年代俄罗斯出现的一个作曲家小组,由俄国音乐评论家斯塔索夫在报刊文章中的称谓而得名。详见《西方音乐简史》,省略/pdf/12/ts012100.pdf。

⑩ 吴昊《俄罗斯音乐交响曲》,《人物》,2006年版,第4页。

参考文献:

[1]教育部基础教育课程教育发展中心.从俄罗斯新一代音乐教材看俄罗斯音乐文化教育[J].2009.8.31.

[2]李范.苏霍姆林斯基论美育[M].长沙:湖南人民出版社,1984.

[3]洛秦.世界音乐人文叙事[M].上海:上海音乐出版社,2002.5.

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【中图分类号】J704 【文献标识码】A 【文章编号】2095-3089（2015）10-0196-01

中国舞是我国舞蹈艺术门类中的一个重要的类别，是在民族民间传统舞蹈的基础上，经过历代专业工作者提炼、整理、加工、创造，并经过较长期艺术实践的检验流传下来的具有一定典范意义的古典风格的特色舞蹈。中国舞带有中国传统文化的鲜明特点，强调意境和美感的营造，表演者的动作优美舒展，曲调舒缓悠扬，带有浓郁的和谐之美。

与西方舞蹈相比，中国舞带有自身鲜明的特点，辨识度也非常高。近年来，随着中国传统文化被有效地继承和传播，中国舞这个中华传统文化符号获得了越来越多的观众的认可、欣赏和喜爱，对于现代中国舞创作者和表演者来说，如何有效提高中国舞的和谐意境之美，是一个值得认真研究的问题。

一、中国舞的主要艺术特点

舞蹈是人类生产劳动及社会发展进步的缩影。不同民族和国家的舞蹈，其艺术特点完全不同。中国舞的起源时间非常悠久，早在远古时期，就已经产生了用于祭祀或祈福活动的舞蹈，成为了中国舞的雏形。经过数千年的发展，中国舞的艺术特点逐步形成和完善，成为了介于戏曲与舞蹈之间的混合物。具体来说，中国舞的主要艺术特点如下：

1.中国舞的节奏特点。节奏是舞蹈的最主要艺术特点。中国舞在节奏方面的特点十分突出，深受我国传统民族音乐的影响。与西洋音乐相比，我国传统民族音乐鲜有节奏、旋律、音调、音响的明显变化，其重要的艺术特点是“弹性节奏”及“点线结合”，即音乐领域内的“附点”和“切分”。在这种节奏的带动之下，中国舞的旋律明显地体现出刚柔并济、动静结合等特点，这些共同构成了中国舞的独特节奏特点。

2.中国舞的身法特点。身法是舞蹈演员在表演过程中各项动作的总和。中国舞的身法是其艺术性的重要体现，也是中国舞的重要基础。一般来说，中国舞的身法在动作中贯穿提、沉、冲、靠、含、腆、移、旁提的动律元素。这些身法集中体现了中国舞表演中的“形、神、韵”，也避免了中国舞向西方芭蕾舞以及体操、杂技演变的趋势。

3.中国舞具有强烈的形象感。以中国舞中最为常见的动作――翻身为例，可以体现出强烈的形象感。演员通过大幅度的慢翻身动作，集中展现出圆润的运动弧线，如同海浪翻滚，非常形象和生动，诸如此类，不胜枚举。

4.中国舞的表现力非常之强。与西方舞蹈相比，中国舞具有非常强大的艺术表现力，善于展示人物性格、情绪变化以及情感的转变。仍以中国舞中最主要的翻身动作为例，通过不同幅度、快慢的翻身动作，展现出人物情绪、性格等的不同变化，表现力非常强大。

二、中国舞和谐之美的具体体现

具体来说，中国舞的和谐之美主要体现在如下几方面：

1.中国舞实现了“形”与“神”的高度统一。“形神兼备”是中国舞和谐之美的重要体现之一。正如前文所述，中国舞表演注重动作的表现力，并通过动作展示出其中蕴含的精神力。观众在欣赏中国舞表演的过程中，往往都会在观赏优美舞蹈动作的同时，获得精神上的高度愉悦，因此说，中国舞的“形神兼备”是和谐之美的重要体现之一。

2.中国舞实现了民族性与艺术性的高度统一。舞蹈艺术的民族性是指其自身具有本民族文化的鲜明特点，也是本民族舞蹈区别于其他国家和地区舞蹈的最主要特点，而艺术性则是所有舞蹈艺术所共有的，舞蹈的民族性与艺术性之间往往会产生矛盾和对立。但是在中国舞表演的过程中，民族性和艺术性实现了高度融合和有机统一，和谐共存于舞蹈表演的过程中。一方面，中国舞的旋律和动作等等带有浓郁的民族及传统文化特点，另一方面，中国舞的舞蹈动作高度艺术化，演员的姿态非常优美动人，符合艺术领域同质化的审美标准。

三、如何有效提高中国舞的和谐意境之美

随着中国舞越来越受到观众的欣赏和欢迎，大量的现代中国舞作品纷纷出现在舞台之上。为了有效地提高中国舞的和谐意境之美，应当注意如下几方面问题：

1.中国舞创作者应当充分尊重艺术规律。对于中国舞的创作者来说，必须要在充分尊重艺术规律的基础上，利用自身的想象力和创造力，实现舞蹈编排的创新发展。绝不能为了单纯追求“吸引力”而丢弃中国舞的传统表现形式和技法，将中国舞演变成为脱离传统艺术规律的“四不像”，从而阻碍了中国舞的健康发展。

2.中国舞的表演者要加强基本功训练。对于中国舞演员来说，为了取得理想的艺术效果，需要不断加强日常训练，从提高基本功入手，在弹跳、翻转、身法、力量等方面全方位提高个人能力。还可以从其他传统艺术形式中吸取灵感，不断提高表演能力和水平。

3.充分利用现代舞台技术提高艺术感染力。对于中国舞表演来说，要充分利用多媒体等现代舞台技术，提高舞蹈表演的艺术感染力，达到“事半功倍”的良好效果。

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1.中国传统绘画艺术的特点

气韵生动、应物象形。中国传统绘画艺术以其悠久的历史和海纳百川的艺术包容性，吸取了书法、诗歌、印刷等多种艺术的表现特点。在春秋时期《左传》记载绘画应“铸鼎象物”，能够反映生活特点。孔子指出线条与颜色是绘画的重要特征。南朝著名画家谢赫指出了绘画不仅应“象形”“象物”和“随类赋彩”，更要使画作通过运笔的技巧达到生动传神的效果。中国传统绘画不仅能够表达文字无法表达的内容，更能“度其物象而取其真”，使得画作呈现一股浑然天成的气韵。有情感投入，有意境之美和有文学内涵，在空间结构中展示其随意舞动、虽乐而歌的空灵的空间表现力。重视画作的神韵和内在美是中国传统绘画的特点，在画作的立意上、布局上，都包含着含蓄、潜隐、虚实结合的传统哲学思想。在画作的艺术表达上自然且富有情致，韵味十足的意象表而不露，是传统思想与社会文化结合的产物。

2.现代摄影艺术的特点

客观性。客观性是现代摄影最突出的特点，借助于科技和先进的设备，通过摄影器材达到对图像的客观反映，现代摄影的作品非常具体、真实和形象。客观的对事物、人物进行形象表达，是艺术的形式美。现代摄影追求作品的空间感、平衡杆和结构比例，力求表现事物、深化内容。隐喻性。现代摄影艺术不仅能够如同镜子一般表现事物，还能通过对景物、事物、人物的艺术拍摄，引导欣赏者看到照片背后的信息。通过对某些场景、细节等的拍摄表现出照片深层的意义。直觉性。照片的拍摄在一瞬间发生，是对某个事物运动过程的抓取，通过对典型瞬间的选择来展示艺术特性。现代摄影由于选择的空间、时间和器材不同拍摄的作用也不同，抓取到最优的结果才能抓取到摄影艺术的灵魂。

二、现代摄影对中国传统绘画的影响

随着摄影器材的问世摄影逐渐成为了人们在人物、景物、事物视觉留存的重要方法，对传统绘画的观念产生了强烈的冲击。现代摄影的产生使得传统写实派绘画失去了部分市场，然而中国传统绘画中以意象派为主，其画作的关键在于内在的思想和笔法运用方面，促使中国传统绘画在现代社会中的艺术价值提升。中国传统绘画的审美与现代社会逐渐脱节，传统的艺术不经过创新也难以得到发展与传承，现代摄影艺术的精进和发展，其中构图、颜色运用和光影结合的手法为中国传统绘画带来了灵感，借鉴现代摄影的优秀部分，对传统绘画笔法、颜色、构图，逐渐与现代摄影艺术融合，使中国传统绘画艺术更显露勃勃的生机。

三、中国传统绘画对现代摄影的影响

1.提升了现代摄影的意境美

中国传统绘画中所蕴含的“画中有诗”的意境之美对于摄影作品的意境追求产生了重要的影响。现代摄影作品在学习和借鉴中国传统绘画的意境感运用中，也融入了中国传统文化，创造出了“意境派”的摄影流派，更添了现代摄影艺术范围。通过模仿中国传统绘画的线条使用、光影调配和色彩搭配，丰富了现代摄影艺术的理论和表现方式，为摄影艺术开辟了更多的发展方向。

2.丰富了现代摄影的人文内涵

中国传统绘画艺术有着丰富了文化内涵，绘画作品不仅是艺术的表达，更是作者文学、艺术修养的体现，是作者对人、对事物、对社会的思考和感悟。例如徐悲鸿的“马”，空灵飘逸的身形和独具魅力的笔法，都是作者善于发现生活、记录生活和领悟生活的结果，只有拥有深厚的文化底蕴和艺术才华才能完美展示出心中所想。现代摄影艺术借鉴传统绘画的人文精神，注重摄影者本身的文化内涵和个人阅历，在创作中引用文化之魂来提升作品的格调与内在，增强了艺术的生命力。

四、中国传统绘画与现代摄影的艺术融合

1.中国传统绘画与现代摄影构图艺术融合

在构图方面，现代摄于与中国传统绘画对其都非常重视，合理的构图设计是艺术作品成败的关键。对色彩、层次、线条和光影的运用通过一定的方法将其合理的安排，以最佳的艺术形式展现是摄于与绘画共同的追求。现代摄影有着随意性、瞬间性和抓取性的特点，在融合了中国传统绘画的视觉比例设计特点之后，结合了其开放式的窗户构图方法，更加有层次、有呼应的实现了艺术表达。中国传统绘画艺术也逐渐借鉴了现代摄影的构图技术，改变了其视觉冲击力薄弱的缺憾，更添其艺术感染力。

2.中国传统绘画与现代摄影光影艺术融合

无论是中国传统绘画艺术还是现代摄影都离不开色彩和线条的运用，哪怕黑白照片与水墨画，都通过了光影结合、点线的结合方式创造出艺术作品。中国传统绘画由于其颜料色彩种类的限制，对于“光”的表现只能用颜料的绘画技巧来表达。摄影作品中的“光”则是生活中实实在在的光，更具真实性，然而现代摄影由于技术的限制，没有光的参与则无法完成作品，所以现代摄影对于“光”的使用非常重视。现代摄影借鉴中国传统绘画艺术中颜色的使用，以颜色来产生光的幻觉，在光度、光质的表现方面更具特色，中国传统绘画艺术也借鉴现代摄影中对于光的表现手法，增强绘画的气氛营造，更突出其意境的表达。

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1 我国传统绘画用色的特点

我国是拥有五千年灿烂文明的国家，在文学、科学和艺术领域都有十分深厚的文化基础，尤其是在艺术领域，数千年间，我国产生了许多绘画艺术流派，创作了许多杰出的工艺、艺术作品，艺术对我国的民间生活有十分深重的影响。经过长年发展和累积，我国民间绘画艺术已经形成了固定而独特风格，中国民间绘画风格与模式自成一派，绘画作品中包含着我国人民独特的审美理念和传统文化，明显区别于其他国家的美术作品[1]。我国传统绘画在用色上具有色彩艳丽、对比明朗、层次丰富等特点，而不同时期、不同流派的绘画在用色上也有不同特色，例如唐宋时期绘画作品，色彩丰富艳丽、着色大起大落，凸显盛世景象，而明清时期的绘画作品笔触细腻、画工精致，色彩淡雅素净，符合明清时代特点。

虽然我国许多民间艺术家和画师对色调、用色的理论知识知之甚少，但通过传统文化氛围的熏陶，画师同样可以通过经验与才智，对色彩进行划分，将分红、嫩黄、蔚蓝等柔和的色彩划分为软色，而将墨绿、深红、大紫、靛色等浓重的色彩划分为硬色，我国传统绘画艺术，在配色方面，注重和谐、中庸，通常不会大幅倾向软色或硬色，而习惯于将软硬色彩结合使用，创造出配色鲜明、层次丰富的画作，给人以无限的想象和视觉冲击。民间绘画创作，为了凸显色彩的冲击力，通常会运用到大量的互补色彩，例如，墨绿与深红的组合、浅黄与天蓝的组合[2]。这样的色彩搭配体现了民间画师对大自然的崇拜、对市井生活的热情，因此作品往往给人的第一感觉就是平和、纯真、朴素。

2 将传统绘画用色与当代艺术设计相结合的策略

2.1 扩展设计的用色思路

艺术作品的用色，不但能表现作品内容，更是作者内心情感的真实写照。通常，内心开朗的设计者其作品用色往往大起大落、不拘一格，偏向明亮与轻快。

色彩是人们对艺术作品基调最直观的感受，会对人们的心理造成很大的影响和刺激[3]。优秀的作品的色彩，往往富有层次感能激发观看者的想象，让观看者能顺利接受到作者通过作品传达的信息。因此，当代设计时再进行艺术创作时，要结合传统文化拓宽设计思路，将民间艺术真挚、淳朴、天然的用色方式与艺术创作相结合，赋予作品深厚的民俗内涵。结合了传统绘画色彩的艺术设计作品，不但能因其国人的共鸣，提高国人对设计的认同感，还能吸引国际友人的注意，提高外国人民对我国传统绘画艺术的了解。

2.2 将传统绘画用色方式应用于时装设计

选用何种色彩是奠定服装风格的基础，鲜艳纯粹的颜色往往显得青春而富有活力，而深沉浓重的色彩则显得庄重沉稳。因此在进行服装设计时，选择何种色彩是最需深重思考的问题质疑其。在当今社会，时装更新淘汰的频率日渐提高，设计师要想掌握潮流的变化方向，首先必须要拥有能引领潮流的设计能力，在实践中探索出创新设计的方法。近年来，随着复古风潮席卷全球，正是将中国传统艺术与时装相结合的最佳时机。其中，我国的传统绘画色彩特点鲜明，历久弥新、永不过时，因此设计师再进行服装设计时，应该多引用传统绘画用色，例如，我国明代青花瓷器绘画用色，将青色与纯白结合淳朴自然，简洁大方。在设计服装时，可以在现代服装款式的基础上使用青、白两种色彩，不另外增加其他杂色，并结合青花绘画图案，设计出既符合时代潮流，又富有传统色彩的服装，将现代服装设计与传统绘画用色相结合，创造具有设计师自身风格的作品。

2.3 将传统绘画用色方式应用于平面设计

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所谓地域特征，就是指在某一个特定的区域内，由于自然因素与人文因素的融合，形成的一种只有该地区独有的特点。一般常见的自然因素为水文特征、气候特点。而气候本身对地域内人们的生活习惯、生活方式等造成严重影响。水温因素对一个地区地域特征的影响主要体现在其整体环境打造上，如周庄就是典型的以水著称的地方。而人文因素则是一个地区在长久的历史发展过程当中，受到历史与文化等多方面的影响，最终形成的文化精神特点。而将地域特征融入环境艺术设计当中，则是我国艺术设计行业发展始终忽视的一个问题。我国的环境艺术设计理念与发达国家相比存在较大差距，其主要原因是无法实现地域特征与艺术设计的完美融合。例如，当前我国许多地区的艺术设计当中都使用了玻璃幕墙形式，可是这一形式的应用却没有将各地区的特点融合起来，这就会导致地域特征无从体现，进而造成地域文化逐渐走向消亡。

2在我国传统环境艺术设计中所体现出的地域特征

2.1古典园林

虽然说我国在艺术设计领域的研究起步相对较晚且始终处于一种被动的地位，但是也不得不说我国在古典园林设计方面，也尝试将地域文化和特征融入其中。首先，我国传统思想本身对我国传统设计的影响是相当明显的，而这体现在建筑设计过程中就是和谐、端庄之美。讲求自然的和谐与实际景观之间可以融为一体，互相衬托。这与我国延续了几千年的历史文化分不开，同时也是我国优秀思想文化的体现。其次，我国独特的历史文化在园林设计过程中也产生了重要的影响与作用。众所周知，我国古典园林往往给人一种充满文化气息与色彩，并且体现着我国悠久历史的特点。尤其是我国山水画，更为讲求良好的意境，而其创作灵感也是依山靠水形成的。这些文化特点在园林设计当中有着重要体现，比如构景应该保持一定的顺序，还应该对空间进行严格划分，这些都是传统园林设计中需要遵循的历史文化要求，同时也是我国独特地域文化特征的展现。

2.2传统民居

传统民居也是我国地域特征显现的重要形式，因为其受到的人文因素远大于自然因素。传统民居本身蕴含了丰富的风俗特点与风土人情，如蒙古包就是我国典型的带有地方特色与地域特点的建筑，其也成为我国当前重要的民居文化遗产。所以在民居设计中，地域特征确实对其产生了重要影响。

3地域特征与环境艺术设计内在关系的分析与探讨

3.1环境艺术设计在一定程度上会受到地域特征的限制

前面已经提到了地域特征的概念，同时也分析了古典园林与传统民居设计中，是如何体现我国地域特征文化的。那么地域特征本身与环境艺术设计必然存在着分不开的关系。首先环境艺术设计在一定程度上会受到地域特征的限制与影响。其一，从设计师角度来看，环境设计师并不一定是当地人，所以在其设计理念当中，很容易受到自身传统思维文化的影响，故而在进行设计的过程中不可避免带有一定的主观色彩。其二，环境艺术设计本身是对当前已有环境的再创造，所以往往需要通过思维的跳跃创设出符合当前设计要求的设计内容。故而在环境设计过程中，除了应该遵循传统的地域文化特征，更需要设计师充分发挥想象，实现主客观因素的全面融合，进而在我国环境艺术设计过程中实现共同促进。

3.2环境艺术设计是对地域特征文化的传承与创新

地域特征文化实际上是对一个地区历史文化的展现，所以环境艺术设计过程中融合地域特征，也是对地域特征文化和传统的继承与发扬。从某种程度上看，地域特征的发展经历了相对漫长的阶段，而在这一过程中，确实留下了许多宝贵财富。所以环境艺术设计需要注重对地域特征文化的加工与传播。在艺术设计过程中，设计师首先应该充分了解传统文化并且给予其足够的认同。将传统文化中精华的部分体现出来，经过加工与创造赋予其新的内涵，在现代建筑中对其有所展现与传播。例如，苏州园林，其私家园林中包括沧浪亭、狮子林、拙政园以及留园，这四大名园反映的艺术风格就分别是我国宋元明清四朝代的特点。每一时期因为社会背景不同，所以在艺术风格设计、传统文化融入以及社会主流思想影响下人们的生活习惯不同，都会导致不同时期的艺术设计风格出现差异。其次，设计师还需要对现代文化进行融合，可以通过借鉴与学习先进的理念与文化，对传统文化进行保留，并且在其基础上发展出全新的内容。例如，宁夏地区的“中阿之轴”就是以中式建筑风格与阿拉伯文化有机结合的典范，更是将地域文化植根于现代环境艺术设计中的重要举措。

3.3是现代化与地域文化的有机结合

地域特征与环境艺术设计的融合，实际上也是现代化与地域文化的有机结合。因为现代化城市建设离不开环境艺术设计，所以在现代设计过程中，必须要考虑与当地地域文化的一致性。例如，在实际设计过程当中，应该考虑当地的自然情况，如天气、气候、环境，并且确保环境设计本身不会对当地的生态环境产生影响。始终以节能环保的理念对设计方案进行改进与优化，从而实现现代环境艺术设计不仅仅具有很强的视觉观赏效果，更应该具有典型的生态可持续特点。简言之在现代环境艺术设计中，必须要将艺术设计本身与当地地域特征完美结合起来，才能满足当前人们的审美需求，也满足现代环境艺术设计的目标，最终将环境艺术设计本身打造成极具地方特色的环境艺术作品。

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扎染艺术是我国手工染色技术之一，在2008年扎染艺术被列入国家级非物质文化遗产。为了更好的传承传统扎染艺术，人们应该不断的创新扎染工艺，提高扎染艺术作品的表现力。传统扎染艺术和现代扎染艺术的区别在于两个方面：一是花样图形的改变。传统扎染艺术作品比较典雅沉稳，而现代化扎染艺术作品则比较轻快、大方，既有传统的自然之美，又有现代化的秀丽之美。二是手法的不同。传统的扎染艺术主要是对面料或莎线进行捆扎，并将其放置在天然染料中进行染色。这种制作手法主要是依赖于人工。而现代化扎染艺术则是依靠多种化学染色法和处理手段，以增加扎染艺术作品的自然性，并降低投入成本。另外，现代扎染的面料选择也比较宽泛，不再局限于传统的粗布。

现代扎染的艺术风格

1.精致写实风格

精致写实风格更突显传统的对称美和自然美。所谓精致就是保证扎染图案的对称和均匀。写实则是指真实、完整地绘画出当下的生活情况。这种风格的扎染艺术仍是以传统的扎染创作方式为主，重点强调整体的协调性、统一性。主要制作流程是先进行图案的预先描红，然后再利用传统扎染工艺的缝、绞、包、夹等手法，扎染出精致、写实的艺术图形。精致写实的扎染艺术风格对于图案设计、点粒、染色、工艺设计等方面的要求比较高。因而比较常见于高级时装、和服等。近年来，随着传统扎染艺术的发展和创新，越来越多的服装设计师开始倾向于现代扎染艺术。

2.现意风格

写意风格比较宽泛，如同即兴创作，不拘泥于形式、比较简单。现意风格也比较生动、灵活、色彩艳丽，其最重要的特点是具有抽象性。现意风格的扎染作品包括两个主要特点：一是即兴。创作者在创作过程中，可以随意发挥，而不用考虑任何标准的限制。更重要的是每个扎染作品都是不相同的，即便是采用相同的工艺和手法，扎染出的艺术作品也各有特点。而即兴创作可以在图案设计期间，也可以在扎染期间，随意改动一处就能可能得到不同的艺术作品。二是表达手法自由。现意风格的扎染作品旨在强调随意性，其扎染手法并不固定，也无迹可寻。这正符合现代化艺术视觉审美的理念，看似无形，实则有形，不娇柔不做作。

3.田园风格

田园风格的特点在于明快简洁、色彩自然，旨在表达人们返璞归真，感受大自然的愿望。随着我国城市化的加快，田园风景也越来越受到人们的关注，而田园风格的扎染作品恰到好处地能够满足现代人们的需求。同时这也是人们崇尚乡村，追求自然的一种表现。田园风格的扎染艺术主要以段染为代表。段染能够在同一织料上展示出多种不同的颜色，这极大的满足当代人们的需求。也正因为段染这种新颖、独特的艺术工艺，田园风格扎染艺术才得以发展。段然突破了传统扎染单染的限制，能够更好低呈现出图案的立体性、色彩性、设计性。尤其是能够扎染出多种色彩，从而为田园风格艺术图案的呈现奠定了良好的基础。近两年来，段染工艺随着PARADA、FENDI等意大利时装设计大师和世界著名品牌在高级时装中的运用，于全球范围迅速传播，很快便在休闲工艺时装、面料、家纺和工艺美术品后整理中流行，引领着世界时尚潮流。（4）典雅风格典雅属于民族风，具有沉稳、大方的特点。虽然当代人们对于现代化的艺术需求较高。但是随着我国民族风的返潮，典雅风格艺术作品越来越受到人们的关注。与此同时，典雅风格的扎染艺术也逐渐在现代扎染艺术中占据重要的地位。典雅风格侧重于传统艺术形式的呈现，追求高度和谐和严谨保守。另外，为了更好的展现出典雅风格，也会在现代化扎染工艺中添加各种色彩。（5）后现代风格后现代风与传统艺术视觉审美的差别较大，旨在强调自由、独立、多元化，反对封建化、固守化。可以说后现代风格是现代文明进步的一个重要体现。而具有后现代风格的扎染艺术作品主要是结合传统艺术形式和西方艺术形式，形成抽象、具有视觉肌理的艺术色彩。同时为了更加彰显现代化艺术风格，人们还会结合喷墨印花、个性手绘、刺绣等工艺，创新现代沾染艺术，从而形成随性、简单的后现代化艺术风格。例如“华艺扎染”创造性地将平面扎染形式与面料三维记忆成型技术融合而成的三维肌理创造、三维与二维平面图形交叉的混搭风格，极具前卫时尚的流行特征而倍受欧美主流市场追捧。

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引言

戏曲艺术在我国具有源远流长的历史，它从中国的民间萌发继而成长壮大，成为我国传统文化不可或缺的重要组成部分之一。而戏曲服装则是戏曲艺术中非常重要的构成之一，戏曲服装在戏曲人物中扮演着重要的作用，戏曲服装通过色彩鲜艳，夸张的表现形式使人物形象跃然纸上，让人们在欣赏过程中加深印象。本文通过从戏曲服装的色彩、形式美以及固定服饰形式三个角度，对中国传统戏曲服饰形式美进行详细的探讨，希望为传统戏曲的研究提供有益的借鉴。

一、戏曲服装的色彩特点

戏曲服装在色彩和形式上有着非常独特的特点，这也成为我们讨论的重点。戏曲服装有着色彩艳丽，颜色突出的特点。具体表现如下。戏曲服装的色彩可以划分为上五色和下五色两大类。上五色具体为红色、黄色、绿色、白色和黑色。下五色主要有粉红色、蓝色、深蓝色、紫色和褐色。值得注意的是，基本上每种服装的色彩都会对应着较为固定的人物性格特点和人物身份。从这里可以看出，戏曲服装的色彩搭配和设计是为人物量身定做的，这在其他艺术形式中是非常罕见的，这也决定了戏曲服装色彩的独特性。具体举例来说，不同的人物性格和社会地位对应不同的服装色彩，在大家耳熟能详的戏曲《铡美案》中，包公这个人物形象塑造的非常成功，包公的F面无私，为民除害的嫉恶如仇的性格特点给观众留下了深刻的印象。包公的服装颜色为黑色，是上五色，黑色表现了人物刚正和威严的特点。在另一部经典的戏曲《单刀会》中，关羽的忠贞正直的性格受人尊敬，戏曲中，关羽身穿绿色蟒袍，表现了关羽智勇双全的人物性格。

二、戏曲服装的形式美特点

具体举例来说，经典京剧曲目《贵妃醉酒》中杨贵妃的形象，是在梅兰芳先生的精心设计下创造形成的，具有鲜明特点的梅派特点，特别是其中的镶边花衫，和其他戏曲品种中的蟒衣有着很大的不同，传统的蟒衣是模仿明朝的蟒衣制成的，传统的蟒衣可以分为两种，一种是旦蟒和老旦蟒，年轻的旦蟒服装一般对应的角色是公主和妃子，底色一般为红色为主，腰间系挂玉带等。但是梅兰芳先生所设计和创作的蟒衣却用湖蓝色镶边，服装上面绣满牡丹花纹，更加别致和精美。从这一角度我们可以看出，中国传统戏曲服装则是在不断继承和创新的，后来的戏曲服装更加精美和细致，具有更高的美学价值。正所谓细节决定成败，正是由于这种精益求精的钻研精神，才能够鹤立鸡群，独占鳌头。梅兰芳先生的这种创新精神对后来的戏曲家们产生了巨大的影响，后来的很多戏曲表演艺术家都不断更新自己的戏曲服装，形成了自我为特色的戏曲服装体系。例如我国著名的京剧艺术家在《状元媒》中扮演的女蟒角色的服装绣满了万字图案，图案复杂繁复，十分富丽。

三、特定形式的戏曲服装特点

中国传统的戏曲服装美学价值不仅体现在突出的颜色和形式美感特点，而且在戏曲服装夸张特定形式方面也具有突出的特点，虽然戏曲的语言和情节编排上面可以展开丰富的想象，但是戏曲的服装却是较为固定的，不能脱离实际太多，举例来说，在《金玉奴》中的男主角穷困潦倒成为乞丐，在风雪交加的时候倒在金玉奴家门前，被好心的金玉奴救活，但是后面的情节他中了状元之后，却忘恩负义把金玉奴推到江中淹死。在实际的戏曲表演过程中，本来穿着简陋的服装，却穿着十分体面，在一定程度上暗示了主角后来的遭遇，埋下了伏笔。又例如，在经典的戏曲曲目《算粮》中，十八年寒窑苦等待丈夫薛平贵回来的王宝钏，生活十分困苦，每日只能挖野菜生活，生活从原来锦衣玉食跌落到乡村贫穷妇女，在戏曲中，王宝钏服饰搭配是以青色为主，而且不露脖子，下身穿着素色的裙子，在传统戏曲中，这类穿着代表典型的乡村贫困寡妇。这类服装表现出角色生活十分窘迫和困难，在一些戏曲中还有的穿着白色的褶裙，一般是守孝女子的装束。再例如《窦娥冤》中的经典角色窦娥，在被缚法场中所穿的服装是大红色。这些都是中国传统民俗固定下来的民俗习惯，比如，在对犯人执行死刑时，为了辟邪，就会让犯人穿红色的衣服。

结论

中国的传统戏曲艺术服装所具有的特殊的形式美体现在许多方面，服装的色彩搭配、戏曲服装的形式美以及固定形式的服装形式。正如我国著名的京剧艺术家盖叫天先生所说，艺术来源于生活，生活是真，艺术是假的，但是，艺术所表现出来的特殊美感的形式增添了中国戏曲的魅力。

参考文献

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我国青瓷开始烧制于商代，其发展和成熟是在东汉时期，其历史悠久，源远流长。中国的瓷器大多数在青瓷的基础上发展而来的，所以青瓷具有“瓷器知母”的美称。龙泉青瓷开始于五代时期，对于青瓷的烧制，历代烧制青瓷的匠师均十分注重青瓷的釉色和质地美。每个时代青瓷也有着的不同的时代特点，在宋代时期青瓷的釉色和质地美已经达到顶峰，是我国青瓷发展的鼎盛时期。

1 龙泉青瓷的概况

浙江地区是我国青瓷的发源地，其充足的原料和便利的水路交通条件，为青瓷的烧制提供了得天独厚的条件。从商代的原始青瓷到东汉成熟时期的青瓷，再到龙泉青瓷经历了近两千年的历史，其历史悠久，文化底蕴雄厚。青瓷的颜色从早期的青黄、淡黄直到后来的纯青，无论是浓艳还是浅淡，其主打颜色均是以青为主。青瓷的青被誉为“海洋绿之幽”，“天青之雅”，有青山、绿水、碧玉、苍天的灵秀。龙泉青瓷更是诸多青瓷中的一朵奇葩。龙泉青瓷开始于南朝，宋王朝南迁后，为了满足达官贵人以及平民的各种需求，龙泉青瓷工匠吸取历代名瓷的优良传统技艺，以精湛的手法烧制出无与伦比的青瓷，从而将青瓷的发展推向鼎盛时期。

2 龙泉青瓷的艺术特点

龙泉青瓷分为哥窑和弟窑两大类。两者的区别在于哥窑是开片瓷，青瓷表面有像裂纹的纹路，主要是由于胎体膨胀系数大于釉的膨胀系数，在烧窑冷却的时候就会出现这种纹路。弟窑是不开片瓷。

其一，哥窑青瓷的艺术特点。哥窑主要是以“冰裂纹”著称，其“冰裂纹”是最美的，创意比较独特，犹如一片片透明的冰，自然的裂纹就像冰相互碰撞而产生的裂纹形状。哥窑的品格大概和官窑的相似，颜色以粉青为上品，淡白次之，油灰色，是颜色中的下品。纹路以冰裂纹为上品，梅花片墨次之，细碎纹是下品。其独特的纹裂由于其天然而不需雕饰的自然美受到人们的喜爱，冰裂纹额青瓷在青瓷上品中堪称为极品。青瓷作品如图1所示。

其二，弟窑青瓷的艺术特点。弟窑青瓷造型比较优美，胎骨厚实，釉色以青翠为主，色泽光润纯洁。其主要颜色有梅子青、豆青、粉青、蟹壳青等，其中以粉青和梅子青为上品。受过滋润的粉青犹如美玉般亮丽，晶莹的梅子青犹如翡翠般透彻。梅子青釉和汝窑釉色有相似的美感，釉质浑厚，色如翡翠，釉层微带透明，釉面略带乳浊有失透感，釉色青绿粉润，釉面光泽柔和。使得龙青瓷的巧夺天工、流而不泻的艺术魅力得到充分的体现。

3 现代龙泉青瓷的创新发展

现代龙泉青瓷继承了中国传统的艺术风格特点，并在继承的基础上，又有创新的发展，在青瓷的颜色方面成功的研制出紫铜色釉、茶叶末色釉、天青色釉和乌金色釉等，使得龙泉青瓷更加具有美轮美奂的色彩。在工艺艺术装饰方面，对青瓷进行创新发展，具有青瓷薄胎、文武开片、清白结合以及哥、弟窑相互结合等形式。随着社会步入到二十一世纪后，龙泉青瓷的艺术创作和生产已经达到了顶峰，充分体现出来龙泉青瓷特有的艺术魅力。

另外，著名的卢伟孙大师在继承前人青瓷精髓的同时，并将自己所理解的美学品味融入到作品当中，从而使得作品具有传统青瓷的典雅美。其主要使用的是祖辈相传的辘轳车拉坯工艺，使用两色或多色的瓷泥进行揉、提、拉、刻等艺术手法特点。其作品是哥弟窑相互结合的新品种，不仅体现出传统民族地域性文化风貌，并在传统的艺术特点中进行创新，将现代的文学、艺术精神、美学以及个人情感融入到作品中，是对传统艺术作品的超越和创新。其作品不仅保留了传统青瓷釉色经营剔透的特点，还引进了现代艺术元素，追求多元化，张扬个性的特点，从而形成了自己独特的浑厚和大气的艺术风格。在丁小良先生的代表作中我们可窥见一斑（见图2），作品中将动与静巧妙结合，使得作品具有强烈的艺术感染力和视觉效果。

4 结语

瓷器是我国的一大象征，龙泉青瓷是我国传统瓷器艺术中的一块瑰宝，在中国博大精深的艺术长河中散发着独特的艺术魅力。随着当代艺术家将现代元素融入到传统的青瓷制作中，不仅赋予龙泉青瓷传统的典雅之美，更具有现代个性化的独特之美。