传统艺术特点范文

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关键词：

传统壁画 主观创造 形式美

一、传统壁画以简单装饰纹样为开端

中国传统壁画是中华民族乃至世界民族文化艺术宝库中的一支奇葩，在长期的发展和传播过程中形成了各时代、各民族的鲜明艺术特征。按其所依附的建筑物种类，可分为殿堂壁画、墓室壁画、寺院壁画和石窟壁画。中国传统壁画在3000多年前的商周时期已处于萌芽时期，以简单的装饰纹样为开端，这时的几何图案只起到装饰功能，是一种不含任何政治思想的潜意识行为。作为壁画，它还没有形成一个完整的社会功效和教育功能，只起到了壁画的一部分作用，可谓是中国古代壁画的雏形。

中国壁画作为独立的一门绘画始于春秋，它除了装饰殿堂还起到了宣传教化的功能。此时壁画的内容丰富，包括天神、圣贤及远古传说等。中国传统壁画从_开始就紧随社会的发展历程，服从于统治阶级的意志。

二、简单古拙的汉代壁画

汉行厚葬之风，至此出现墓室壁画。汉墓壁画几乎包含了中国早期一切重要的思想与信仰，在中国传统壁画绘画史上具有承前启后的地位。人物造型简单古拙，充满了意境和力量。正如汉代的石雕一样“去粗取精，删繁求简”，体现了汉代美学的共同特征。壁画，构图讲究平面效果，多横带式；形象大同小异，重复排列，富有节奏感；色彩很少仅白地黑线，以红、黄、绿赋彩。画法上白墙彩绘，最后提黑线如同没骨写意。汉壁画气韵生动，简朴大方，装饰性强，浪漫主义和现实主义相结合，奠定了中华民族绘画的传统风格。汉室壁画内容十分丰富，全面而深刻地反映了汉代社会的政治生活、思想观念和道德标准。

三、魏晋南北朝时期壁画风格的融合与发展

中国传统壁画经过不断的发展，到魏晋南北朝时期从内容、技法、格局及色彩上都有了一个很大的提高。此时期壁画突出体现在本土风格与外来风格的融合。这一时期壁画主要有石窟壁画和墓室壁画。画风生动豪放、稚拙、生活气息浓。南北朝墓室壁画有所发展，写实性增强。新疆的龟兹壁画是极具异域特点的壁画。菱形构成，以蓝绿为主的冷色调色彩，人物的形象及刻画手法都具有异域特点，最为特色的是大量的女性形象。魏晋南北朝时期的敦煌壁画艺术异域色彩强，艺术风格集中体现了代表中国传统文化和哲学思想的“飞动之美”，画面色彩浓烈，装饰性强。题材上以佛教因缘故事、本生故事为主，宣扬自我牺牲，血腥味浓。特别构图上采用连环画形式，分割明确，整体统一，这一特征标志着中国古代连环画已成熟。总之，经过魏晋南北朝的发展，中国壁画逐渐成熟，为隋唐壁画艺术的兴盛打下了坚实的基础。

四、隋唐时期壁画艺术达到巅峰

隋唐时期是我国封建社会的鼎盛时期，在中国古代壁画史中，是唐代把壁画艺术推向了顶峰，各种类型壁画都蓬勃发展。唐墓室壁画是中国传统壁画艺术中极为重要的部分。其内容多为表现日常生产、生活、仪仗等场景，也包括建筑、形象等内容。宫女形象尤为突出。表现技法多为黑线勾勒，后添彩，以少量的红、黄、蓝等色涂绘。人物造型准确，勾线娴熟，但绘制不细主义。唐墓壁画是以疏体画风为基础，融汇了密体派的画风，完成了从“曹衣出水”向“吴代当风”的过渡。由于佛教的兴盛，唐代宗教石窟壁画也达到了前所未有的高度。相比于之前的壁画，题材和画法都有了发展与变化，内容以大型经变画为主，场面宏伟，色彩鲜明，线条流畅，达到气韵生动、骨法用笔的最佳境界。敦煌壁画总体风格发展是与内地中原唐绘画的演变一致、同步发展的，其审美精神体现了中国传统文化的乐舞韵味“飞动之美”。这是构成华夏艺术的一个基本因素。“飞动”的走势即强调贯穿于笔墨趣味之间的“气韵”。中国绘画及雕刻艺术始终以线为主。从西汉帛画“高古游丝描”，魏晋顾恺之的“春蚕吐丝”、曹仲达的“曹衣出水”，唐吴道子的“吴带当风”以及王维诗、书、画于一体而首开文人画风的典型，都证明了这一点。线不能抽象的存在，必须以某种形象来显现，于是出现用“墨”用“色”的问题，敦煌壁画中是“线、色并重”、“墨、色并用”的。这种运用原则比中原画坛更为自觉，达到色不压线，线不盖色，以线描为主，色彩烘托的理想效果。敦煌壁画中的色彩特点是具有极强的装饰性，直接使用原色，单纯而浓烈，北朝和隋唐达至0辉煌阶段，自隋唐、五代以后逐渐下滑，在整体趋势上与中国绘画的进程一致，受“重墨轻色”观念的影响。

中国传统壁画从发展之初到黄金时代的盛唐，伴随着社会的日益发展一直在向顶峰推进。从这段历程来看，社会稳定和经济繁荣决定着中国传统壁画的发展趋势，没有强盛的国力，壁画的发展就会滞留，甚至萎缩。随着晚唐社会的衰老，五代的动荡，艺术水平也不及从前。

五、中国化、生活化、世俗化的壁画

中国的传统壁画发展到宋已开始出现衰退迹象。宋代由于文人画的兴起和佛事的衰退，壁画的发展受到了很大影响。文人士大夫多不参加壁画的绘制，极大地影响了壁画的品质。值得一提的是宋代的道教壁画还有艺术水平较高的作品，

如在宋真宗赵恒支持下绘制的玉清昭应宫为杰出代表。此时的寺院壁画，用现实景象表现神话传说，形式上已完全中国化，其生活化、世俗化的程度前所未有。画风细密，设色艳丽，沥粉贴金，体现世俗之美，典型的宋代画风。元代的壁画与宋代相比就丰富多彩。留世的以山西芮城永乐宫三清殿的《朝元图》最为精美。成功地塑造了极为精彩的人物形象，体现出吴道子的画风。高超的线描体现了中国传统线描的极高水平。整个画面线条流畅细劲，丈余长的帽带，见不到接笔的痕迹，似一气呵成。衣冠宝盖沥粉贴金法的应用，造成金碧辉煌的效果，极强体现了元代的盛况。此时的敦煌壁画是中国古代壁画最后的闪光。莫高窟“千手千眼观音”，线描极为精彩，用不同的线表现不同的质感，是中国古代线描的顶峰。总之，宋元时期的壁画，生活气息浓，民族特点强，绘画技法多样且有发展。由此可以说，中国古代壁画只有不断地交流、吸收、融合、发展和创新，才能使中国传统壁画绽放异彩。

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中图分类号：J632.12 文献标志码：A 文章编号：1007-0125（2016）12-0094-02

笙是一种独特的民族器乐形式，乐器最早的用途就是在人类祭祀活动、丧葬仪式、战争、婚礼当中使用，作为一种仪式感的事物。后来才开始在人类的生产当中进行使用。到了近代，器乐的功能逐渐转变，成为了一种娱乐性乐器。笙在中国受到许多人的喜爱，在古代中国和外国进行交流后，笙就在不同渠道传入了外国，并且在外国生根发芽。虽然现在笙的造型有许多，但是它的演奏方式和艺术特点仍然相同没有变化。这不仅仅是文化艺术的传承，更是民族血脉的延续。无论是艺术表演还是艺术教学，都将其作为重点对象去研究分析，通过这种分析，可以更加全面准确地了解笙的艺术魅力。

一、中国传统器乐笙的历史概述

笙是中国传统的艺术器乐之一，它糅合了民俗民间文化的特点，并且经过了漫长的沉淀期，经过了许多不同类型艺术形式的侵染，形成了一种原生态的丰富多彩的民族器乐形式。目前留下来的笙曲目都是具有代表性的曲目，集中体现了笙的精髓，具有重要的指导意义和研究价值。

笙的历史可以上追至上古时代。民族器乐的雏形是祭祀，古代人民由于对大自然怀有敬畏，常常要通过祭祀鬼神的办法来祈求太平，在祭祀活动里就会进行一些器乐的吹奏，笙的最早雏形在祭祀当中可以见到。这种民族器乐吹奏动作简单，形式直接，可以算是比较容易操作的吹奏器乐。古代宫廷的民族器乐有很多就是受到笙的启发制作出来的。宫廷的主人为了求福避祸，常常会进行这种民族器乐仪式。随着时代的发展和社会的进步，我国从周朝开始至汉、晋、唐代，对于民族器乐有了专门的定义和分类，并且开始走向专业化道路。宋元时期，笙达到巅峰，民族器乐开始逐渐渗入音乐、戏剧当中，并不断丰富。到了清朝，笙已经十分普及。

二、中国传统器乐笙的演奏方式

笙的吹奏比较简单。它的原理和歌唱的发声原理类似。人的声音和乐器发声相同，都是由一个发声质体和几个共鸣腔共同形成。但是不同的是，人声主要依靠喉头（声带）来完成，那么起到共鸣腔作用的是喉头部分。而杓状会厌壁通向喉头的关键共鸣腔，俗称为咽腔。咽从口的后部向上延伸到鼻咽腔，然后入口到延伸食管的位置，也就是喉腔。咽腔的运动原理其实就是和其他体内的管道相同，通过它的纵向肌肉和轮肌，进一步进行长度和宽度的变化。这种变化就是声音的变化。我们平时所说的，吹奏器乐，要先学会开嗓子，其实就是这个道理，如果喉咽腔打不开，就不能形成管状通道，无法进行气息的运动、呼吸，声音就不会变得通畅，也就无法打开嗓子，进行吹奏，声音也就无法变化。只有学会正确的使用咽腔，让声音达到共鸣效果，这样才能更好驾驭笙的演奏，完成表演或者学习任务。正确的咽腔共鸣既是一门学科，也是一门实用的艺术。每一个笙的学习者在歌唱作品之前，都要通过严格科学的系统训练，才能具备吹奏笙的基础和条件。这不是一日之功，需要长期的训练和有效的培养。咽腔共鸣作为基本功的存在，对于笙的额吹奏技艺提升比较实用，在现代歌唱艺术的背景下，作为一种音乐表演的手段，咽腔共鸣对于笙的吹奏的观念和认识也发生了很大改变，这是和时代的发展密不可分的。

笙按照簧片分为17簧、21簧、24簧和36簧几种，在形状上面分为圆笙、方笙、加键扩音笙、抱笙、次中音小排笙等几种。笙是由笙斗、簧片、笙_、笙苗、笙箍、按音孔等结合而制。最早的笙，用匏（葫芦）制作，到了宋代，由黄木制作，直到现代才变为铜体质。如果是竹管的笙，右手食指可以插入孔洞。在吹奏笙之前，首先，利用喉咽腔对呼吸进行调节。当人张口呼吸时，喉、咽就处在张开状态，张开越充分，气流就越舒畅。并且不会感到难受。喉咙也没有负担。这样才是吹奏笙的基本功。初学者要注意的是，不能让嗓子感到疲劳和紧张，否则就会破坏喉腔和咽腔。其次，鼻咽腔可以突出高音。吹笙的高音的人就必须要学会使用鼻咽腔。因为高音需要一种关闭嗓子的技巧。这种关闭是循序渐进的，逐步的关闭，达到高音的效果。是有一个过度的步骤。最终把高音放在鼻咽上面，才可以产生高音的振动和持续发声。

三、中国传统器乐笙的艺术特点

首先，情景模拟。笙器乐的特殊构造决定了它的演奏方式，它可以表现出人声包括自然声音的味道，这是它特殊的共鸣箱产生的效果。而且这种模拟非常自然流畅，浑然天成，演奏的变化也丰富多样，在指法上面只需要简单的配合就可完成。

云南的傣族作品中也大量的包含了人声模拟的元素。傣族本身就是一个善于模仿的民族。他们的音乐，他们的舞蹈都是如此。比如孔雀舞，是一种载歌载舞的艺术作品，有歌曲也有舞曲，充分反应了傣族的作品模拟特点。笙的特殊音色，如泣如诉，就像孔雀在低沉诉说，也像孔雀在独自欣赏自然的美色。配合笙的演奏，有如情景再现。

其次，展现民族特性。笙之所以能够在中国传统器乐当中占据一席之地，与它特殊的民族性分不开。民族乐器扎根于民间，汲取民间的养料，吸收民间的文化，因此它具有丰富的民族特性，可以说是民族的一颗“活化石”。无论是音色还是韵味，都能够体现民族之中包涵的特殊魅力和顽强的艺术生命力。

笙的演奏表现力丰富，可以表现壮烈悲惨的意境，也可以表现柔情似水的意境。如，当民族儿女豪情万丈时，笙就用高音吹奏来表现，展现了大家的英雄气概；当人们安详快乐时，笙就用缓慢节奏配以低音，缠绵悱恻，温柔甜蜜。这种转化浑然天成，收发自如。因此说，笙器乐在演奏民族生活的时候，非常自然，贴切适合。尤其对气场的表现，更是符合少数民族的民族特性。对内心世界的描述，也十分自然。这两种形式的结合并不是偶然造成的，而是各自的艺术内涵所决定的。一经结合，便相得益彰，这都是以深厚的民族文化为根底的。

最后，表达精神韵味。韵味主要是笙演奏时的韵味。这种韵味是针对演奏对象所表现出来的艺术知觉。当笙在处理演奏对象时，为了完美体现演奏对象，就要尽量做到形似、神似、气似。就是我们通常说的描写。

我国云南、广西等地区的少数民族作品大多以情景为主，突出情景中的气氛、韵味。笙为了表现这种情景，就必须要展示出民族韵味。民族韵味是一个民族的核心精神气，它是最难以把握的东西，也是最真情、最直接的流露。这些表现力是笙演奏的独到之处。总之，笙作为一种民族器乐，从民族精神当中汲取营养，因此最符合民族文化特征。

四、结语

综上所述，笙具有悠久的历史和深厚的艺术积淀。作为一种活文化，它既展示了中国悠久的历史文化和民风民俗，又融合了不同类型的艺术形式精华，因此研究笙的历史和发展特点具有重要的人文价值和历史意义。

参考文献：

[1]乐声.中华乐器大典[Z].北京：民族出版社，2002.

[2]乐声.中华乐器大典[Z].北京：民族出版社，2002.

[3]张之良.中国大百科全书・音乐民族器乐：“笙”[Z].北京：中国大百科全书出版社，1995.

[4]罗艺峰，钟瑜.音乐人类学的大视野[M].上海：上海音乐出版社，2002.

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中国是四大文明古国之一，有深厚的文化底蕴。但由于政治、经济的原因在近200多年以来在文化艺术方面几乎停滞不前以至于与整个时代有很大的差距。而由于近年来我国的改革开放和经济发展对艺术设计方面的需求却是空前的。在我们设计发展的初期只能是在借鉴外来文化的基础上建立的，这是发展的必然阶段。

在当代社会人类的物质文明和科技水平都达到了一个空前的水平，而中国作为一个自强不息的大国在各个方面都不甘落后于人，在艺术设计领域尤其需要新的创新和突破，这不仅仅是民族自尊心的作用，最重要的还是经济、政治和文化等多方面的需求。

一、中国传统文化的特点：

传统不是落后和过时，它像流水一样，是民族自身演变的过程。中国是个历史悠久、民族众多的国家，同样她的传统文化也是最复杂和深厚的。地域的广博造成了文化的多样性，但悠久的历史又促成了其文化的兼容性。这些纷繁、复杂、厚重的传统文化才是我国艺术设计者取之不尽，用之不竭的宝库。

目前很多文艺工作者发表自己的观点，反对中国的传统思想，认为造成中国目前现状（主要指对目前中国在世界上的政治、经济和军事地位不满意）的主要罪魁祸首就是“儒家”思想，认为正是其造就了中国的“农耕文化”和“羊”的精神。这一观点在去年最流行的小说《狼图腾》中得到了较完整的阐述和论证。我完全赞同他们的观点，5000年的封建文化曾使中国在300多年前就站在世界之巅（中国在乾隆年间的国民生产总值占当时世界整个生产总值的一半还多）。但又恰恰是这种最为完善统治制度阻碍了中国近代的发展。但我们同样应该认识到“农耕文化”被“狼文化”取代，“野蛮人”打败“文明人”其实不仅仅在中国历史上是定理，而应该说这是放之四海而皆准的公理。在全世界的人类历史上都是这样： “希腊人”赶走“爱琴海人”（特洛伊被希腊人摧毁）；“罗马人”取代“希腊人”，“英国人”打败了“西班牙人”，而最终“日不落帝国”的霸权又拱手让给“山姆大叔”,历史从来都是这样,但是谁又能说希腊文明应该抛弃呢？“罗马神话”恰恰是全面抄袭了“希腊神话”，就象“宙斯”和“朱庇特”的关系。就是现在谁会认为英国人在文化艺术上的成就逊于美利坚国。“胜则为王败则寇”仅仅是在政治和经济方面，而艺术上却恰恰相反。如果将成吉思汗与赵佶在艺术领域上的成就进行比较，宋徽宗虽是亡国之君但其在书画方面的造诣是一代天骄骑着“汗血宝马”都追不上的。任何文化都有正面和负面的影响，就象殖民地文化的最大好处是当地人的外语（入侵民族的语言）基础有着得天独厚的条件一样，中国长期的腐化和奢靡的封建社会生活习气恰恰成了滋生民族传统文化的温床。可以概括的说，中国的传统文化包罗万象，其涉及面十分广博，艺术设计工作者应从中吸取相应的文化元素将之融汇贯通加以利用，其实“古为今用”在当今中国艺术设计领域里比“洋为中用”还管用。

二、传统文化在艺术设计中的应用

直接应用---主要是针对不同的载体，在中国传统文化元素中慎重的选取相应的图案或符号，发挥其原有的图形信息。但这种直接使用在使用时应注意使用环境和材质。这种使用实际上最为简单和实用，初学者往往愿意使用但一定要注意在组合上不能是简单的堆砌，而要注意其融合。否则直接罗列和附着会给人一种突兀或牵强附会之感。这方面的成功作品中以大连金石滩的“万福鼎”最为典型。该鼎高5.6米(代表中华56个民族),宽4.8米(代表四面八方)，其四面由8888个小福字组成。寓意深远的数字构成与应运而生的吉祥个数,囊括了其能够祈福呈祥的所有含义。

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中国雕塑具备着悠久的历史，在几千年的岁月洗礼当中，流传下来的雕塑作品浩如烟海。在石窟、寺庙以及博物馆当中我们都能够体会到我国传统雕塑的博大精深。

地理和文化是对雕塑产生影响的两个主要方面，我国的传统雕塑主要是以华夏民族自由的地理区域和民族性格为内核，通过雕塑这种形式来进行表达，反映了我国传统的文化精神和艺术语言形式。所以我国的雕塑具备着很明显的民族特色和区域的特色，对于我国雕塑的特点进行研究，就必须要深入地了解我国的地理环境和民族文化，这是能够深入理解我国雕塑，更好地对雕塑进行继承和发展的要点。本文主要对我国传统雕塑的基本特点进行简要的总结，对传统雕塑的继承问题进行分析，并提出我国的雕塑应该发展和前进的方向。以利于我国的精神文化和物质文化更好地继承和发扬。

一、我国传统雕塑的特点

我国的传统雕塑经历了很长一段时间的发展历程，在发展的过程当中因为地理和文化的差异，存在着不同的风格，雕塑所采用的材料也不尽相同。但是有一种未曾改变，那就是对于雕塑的内在美的追求。任何一种样式的艺术之后都有相应的审美理念的支撑，对于雕塑当然也不例外。对我国传统雕塑的特点需要从三个方面进行分析，包括简约性、写意性和意向性。

1、中国传统雕塑的简约性

从现在保存下来的我国传统的雕塑作品的整体来看，它们在造型处理上大多是运用简化的手法。这里所说的简约性是指用最少的工序达到最好的效果，对于整个雕塑来说，即是采用最少的人工琢磨，而达到最好的意境效果。这正所谓是大音希声、大象无形，中国的传统艺术中完全融入了朴素的思想，是需要通过除去华丽的多余的表象，才能够体现出来的。传统雕塑的简约性则具体表现在雕塑的外形简约和面部五官简约，外形简约主要表现为整体躯干近似长方形，手臂和衣服没有多余的形状起伏。而面部和五官的简约则主要是体现在眉毛被简单的概括成两条曲线，而鼻子也近乎是一个几何图形，没有鼻骨的转折和肌肉的变化，对于细节刻画十分的粗略，而这种简约的头部造型也是展现我国传统人物雕塑神韵的主要手段。

2、中国传统雕塑的写意性

国画中有一种手法名为写意，其实在艺术当中，万法皆通。传统雕塑的写意性则更多的是表现在“以线入体”这四个字上。何为以线入体？在我国传统雕塑艺术系统当中，线是最基本的组成部分，对于线的审美，是通过平面的线条互相的交织而形成的立体的空间表现形式。在传统的雕塑当中，线条的运用是在形体的美感之外的造型语言，它和整个立体的空间上的造型互相补充，从而形成一个完整的语言体系。中国传统艺术以线入体的文化根源主要是在中国的工艺美术。在我国最初的彩陶作品当中，雕塑和绘画互相补充。中国雕塑的这一特点一直流传下来，后期在进行雕刻的过程当中，都是先勾勒出草稿，然后付诸于雕刻。这就使得中国的传统雕塑具备了写意的特征，所体现出的线性美感和引发的思考，已经远远的超过了雕塑自身的立体空间感。给整个雕塑本身围上了一层神秘的气息，成就了传统雕塑似与不似之间的美感。

3、传统雕塑的意向性

我国文化的内涵当中有一点是物化于外、意存于内。也就是说在人们通过感官对于事物有一定的感觉之后，然后从精神上深层次的体会事物所内涵的深层次的含义。中国的传统雕塑更是深得中国传统文化的其中三味。它所要强调的是超脱于现实之外，但是寓乎于情理之中。意向是审美主客体的相统一、相契合的产物，这个我们众所周知。所以在这种思想的引导之下，我国的传统雕塑肯定具备着强烈的精神追求和意向性。例如，在汉朝大将霍去病墓前的雕像，并没有事先确定整个雕塑的造型，而是根据石料来决定采取一个怎样的雕刻手法和方式，其利用石材的本身走势，稍微加以雕琢，再赋予文化的内涵，大将的形象豁然而出。在似与不似之间，就让人印象深刻，寓情于物，体现了人与自然的和谐统一，成为我国传统雕塑之中的典范之作。

二、中国传统雕塑特点的继承和发展策略

从目前的雕塑发展情况来看，可谓是如火如荼。全国各大城市随处可见所谓的城市雕塑，很多造型抽象、示意不明的现代化雕塑矗立于城市的各个角落。其主要目的是为了提升整个城市的环境和文化品位。但是，从实际效果来说，并不见得如此，很多的城市建筑不仅不具备艺术性，反而有伤风化。还有些城市的雕塑一味的求高、求大，完全不具备城市本身的内涵。这样的雕塑林立不仅没有提高城市的文化和艺术氛围，反而在建造的过程当中浪费了巨额的资金，这是得不偿失的。究其原因，其中最重要的一点是因为现代雕塑对于我国传统雕塑的精华没有很好的吸收，不能做到有效的继承和发展，使现代的雕塑缺乏前进的方向，充满着无力感。因此，对于现代雕塑的现状反思，我们就应该充分的吸收传统雕塑当中的精华，以此来促进现代雕塑的发展。

1、区分传统雕塑，取其精华去其糟粕

我国的传统雕塑作品可谓是浩如烟海，其中难免会存在很多的糟粕，所以为了我国传统雕塑的特点的继承和更好的发扬，第一步就应对传统雕塑进行必要的区分，学习其中的优秀之处。对于我国传统雕塑当中的精华作品，我们前人大多都做了很多的评述工作，但是仅仅对于优秀作品的评述，是远远不够的，我们还需要对我国传统的雕塑进行优劣的区分，对于劣质的作品也要进行一定的评述，见贤思齐，见不贤而自省。在我国的传统雕塑中，石窟占了很大的一部分比重，但是有些石窟因为年代久远，在花费大量的时间和金钱进行考察的过程之后才发现，有些石窟雕塑已经风化难辨，没有任何的艺术价值，有些石窟作品极为的低劣，也不具备艺术研究的价值。所以雕塑界必须要对劣质的作品进行一定的评述，以此来警示后人，让他们少走弯路。区分传统雕塑，对于劣质作品进行评述，是一项长期而且深远的工作，这需要大量工作人员的不懈努力，才能有所建树。也只有这样，才能使传统雕塑为我国目前的雕塑发展做出更大的贡献。

2、深入研究传统雕塑，不能浮于表面

一种艺术能够屹立于所有艺术当中，并且有着很强的生命力。那就可以说明一点，这种艺术是有其自身特点的，虽然特点不一定是优点。所以在对我国传统雕塑的研究过程当中，一定要深入进行研究，不能只做表面文章，要深刻地了解传统雕塑中那些被世界广泛承认的特点，并进行集成和发扬，以此来推进我国现代的雕塑产业的发展。我国现代的雕塑是对传统雕塑的继承和再创作的过程，而目前在这个过程当中出现很多的问题，这就需要我们深入的了解我国传统雕塑所具备的特性。第一，我国古代的雕塑的实用性是毋庸置疑的，从司母戊鼎到四羊方尊，从日常器具到祭祀用品无不体现出这一点，而现在我国大多数城市的雕塑片面的求高、求大，不具备良好的实用性，也不具备深层次的含义，不仅劳民伤财，更重要的是对于城市的整体艺术氛围的提升没有丝毫作用。第二，我国的传统雕塑具备着写意的特性，也就是说以线入体的特质。从我国现在的大多数雕塑来看，已经完全的脱离着这一观点，雕塑已经自成一体，不再具备写意的特质，造型单一、缺乏似与不似之间的中国传统审美观念，引发不了群众的共鸣，所以对于城市氛围于事无补，但是有一些良好的作品还是可以体现出我国传统雕塑的写意特征的，如甘肃兰州的“黄河母亲”雕像，就十分恰当的诠释了这一点。第三，我国的传统雕塑具备着意向性，也就是说在通过感官的了解之后，可以引发更深层次的思考，但是现在看来我国的大部分城市建筑很明显没有体现出这一内涵。所以，如果想使我国现代雕塑得到更好的发展，就需要深入的研究传统雕塑，不能只做表面文章。

3、动手操作，加深对传统雕塑的理解

俗话说“光说不做假把式。”所以，如果想要真正的理解传统雕塑当中的精华，并将其完美的应用于现代的雕塑当中，就必须要提倡我们当代的雕塑家动手临摹，通过模仿和在模仿基础上的再创作，加深对于传统雕塑中精华的体验。在具体临摹的过程当中应该时刻的提醒自己，不是为了临摹而临摹，也不是为了将传统再现，而是为了将传统当中的精华更好的运用于现代的雕塑创作当中而临摹。只有让传统立足于当代，服务于当代，传统雕塑的精髓才能够显示出其现实的意义，才能让现代的雕塑寻找到前进的方向，更好的前行。

三、结语

中国现代的雕塑发展是一个十分艰巨的任务，特别是在文化的更新速度加快的今天。所以现代的雕塑发展，必须要充分的吸取我国传统雕塑当中的精髓，并在实际的发展过程当中，对于传统雕塑当中的实用性、写意性和意向性要进行充分的理解和吸收。同时，在现代雕塑发展的过程当中，还应该对传统雕塑的作品进行区分，使后来者少走弯路，更好的走进雕塑的殿堂。最后，在加深对传统雕塑的理解过程当中应该亲自动手操作，更好地去琢磨传统雕塑中的精华，以便于更好地继承和发扬传统雕塑的特点。

【参考文献】

[1]孙冀东，姜文博.中国古代建筑装饰雕塑的形式与功能分析[J].河北大学学报（哲学社会科学版），2011（1）.

[2]欧阳劲松.浅析对中国古雕塑发展史的研究[J].景德镇陶瓷，2011（1）.

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古筝作为中国传统民族乐器中的大器，在与现代流行音乐元素相结合后，符合了大众对于音乐的新理解。这种“新形式”的古筝民乐表现形式，有着不一样的艺术风格与特点，在研究如何将民乐乐器与流行音乐相结合的今天，有着重要的意义。

顺应时代潮流，发掘民族音乐精华

传统的古筝音乐不但对演奏者水平要求高，观众也需要有相当水平的文化积淀和音乐素养，这在高节奏且讲究快餐文化的今天，很难吸引更多的听众，成了小众之器，限制了自身的发展。因此，在现代古筝音乐演奏中，演奏者身穿靓丽的衣服，跟随旋律的变化来扭动身体，节奏简单、明快，使观众很快就能进入到音乐当中，享受其中的乐趣[1]。

音乐是一种听觉艺术，而现代古筝音乐在保留原有优美的音乐效果、深邃内涵的同时，增强了新的时代魅力。很多人熟知的《沧海一声笑》就是用古筝演奏出来的，古朴的韵味符合了现代社会的需要。

借鉴现代的流行元素，保留了原有的特色

1.保持原有风格的同时融入了西方式结构

国内现在包含古筝乐器的成功乐队无一例外地证明，只有摆脱传统音乐理念的限制，将西方与现代的流行元素，与传统古筝中的演奏技巧、精神内粹才能获得真正的成功。现代的古筝作品，是建立在中国传统文化土壤上，又结合了新的表现手法和技术特点的时代作品。在题材上依然采用了传统常用的题材，如人物传记、自然场景等。在旋律上，虽然降低了高音为主的地位，加了大量弱化元素，但高音仍然是现代古筝曲目中最重要的构成要素。

在创作与演奏技法上，现代古筝音乐仍然保留了传统的五声音阶。虽然融入了大量现代音乐元素，但是不同的流派保持着自己鲜明的风格特色。新的作品保持了原有的美感，同时加强了对细节音的处理，这在散板音符处理上尤为突出。在筝曲的结构上，很多都采用了三曲式的西方曲式结构。

在演奏技术上，适合现代表演的技法得到了保留，而那些过于舒缓、沉重的技法却很少出现在音乐会和新的作品上。托、抹、勾、撮四种技术保持不变，而不符合现代演奏要求的“劈”却很少被使用，而长音更符合现代音乐作品的需要，使用频率相比传统得到了更高幅度的应用。这些演奏技术的改变，也反映了古筝这一传统乐器为符合时代需求而发生的转变。

2.出现了“新筝”结构

古筝的结构相当长一段时间都保持固定结构，而“新筝”的出现改变了这一情况。与原有的相比，“新筝”的声音更大，拥有浑厚的低音，更加清亮的中音，琴弦由原来的二十一个增加到五十个[2]。筝码位于整个筝板的中部，可以在不改变古筝原有的技法前提下，只需要很短的时间加以训练便可以演奏。音域从大D延伸到小b，解决了原有变奏的困难，增强了乐曲的表现力。还增加一个移弦的装置，提高了演奏时移码的准确性，使普通的演奏者也能弹出优美的筝曲。

3.学习了西方的曲调结构

传统的筝曲多为小型曲式结构，而现代筝曲的主题内容更为丰富，这就要求结构必须适应时代的要求，采用更合适的曲式结构。因此，新的筝曲作品很多采用了二原则、三原则和双重结构划分的形式。新的筝曲没有一味地反复，避免了给听众带来厌烦感，而是根据情景再现，将原样再现，简单再现和动力化再现相结合，这种模式在一、二级曲式结构都得到了普遍的运用，这种结构是曲调的西方曲调结构[3]。

古筝曲调、结构的创新与发展

1.新的定弦模式

传统的古筝定弦序列通常为五声音阶，但是一些筝曲作曲家大胆创新，创作出了包括七声等新的定弦方式作品。具体如：在保持八度一个周期的定弦时，根据主题的需要使用新的音阶；在与其他变体组合时，其中一组为传统的音阶，而另一组根据作品需要改变，形成鲜明的对比，让观众印象深刻；采用模式化的定弦，以半音数一个音阶，按照比例形成非八度循环周期；自由组合模式，没有固定的模式是最大的特点，具体的使用完全根据作品的需要而定，多种调戏的组合，大量地运用了变音等[4]。

这些新的定弦应用丰富了古筝的调声运用，扩散了运用的范围，使筝的“调”站在了新的高度，将传统调式和西方调式的限制消除，并成功地融合在一起。作曲家可以根据自己的想法，自由创作作品的整体风格与特点，让原有单一的调式变得丰富而又充满了饱满的效果。

2.运用了现代节拍

现代的筝曲大多采用小节解放的理念，在具体的小节安排上根据音乐的旋律来安排，第一个小节中都有强力拍节存在，让整个曲子拥有了强弱分明的循环。有的还采用了跨小节记谱的方法，将符尾直接穿过小节线，造成强音转移的效果[5]。

现代的筝曲节拍样式更多，改变原有中只有1/4、2/4和4/4的拍子类型，大量使用三拍子，八分之一音符也出现现代的筝曲演奏当中。

长音演奏方面，在传统的摇指的基础上，发展出了游摇、扫摇、多指摇、多弦摇，摇指时中指演奏单音等，揉合了长音和音效两种音响，丰富了表现力。借鉴了琵琶演奏技法的轮指，以及带有颗粒特质的快速抹托等长音技法，这些技法的使用为古筝长音演奏带来了新的音响。

3.音色的创新

现代筝曲的音色多种多样，有的清脆悦耳，有的模糊不清，有的就像在近处鼓动，也有的有远在天际的感觉。由于借鉴了西洋打击乐的技法，更有了现代架子鼓似的震撼力。现代的筝曲相比原有那种低沉感有了更大的音乐力度，有的甚至达到四个层次的力度标记，有的在一个乐段就会出现明显的强弱变化，有的在上下层次作出声部不同的力度变化。

4.演奏形式也增加了新的形式

现代的筝曲演奏除了传统的独奏形式外，还采用了协奏、重奏多种形式，伴奏的乐器也增加了钢琴等西洋乐器。采用这种形式的音乐会，可以更加突出古筝的乐器魅力，大大提高了音乐的张力。在与其他乐器合奏时，古筝一般位于主角的位置，发挥各自的专长，让观众沉浸在艺术的乐曲里。

结论

古筝在融进了现代的音乐元素，尤其是与西方乐器和音乐风格相结合，既保留了原有的音乐魅力，又展现了与以往不同的艺术风格，使这一中国传统的乐器和演奏乐器，在新的时代中焕发了新的光芒。

参考文献：

[1]阎爱华.当代古筝艺术发展之轨迹[J].艺术百家，2002，3（1）：29-32.

[2]闫苏.由“新民乐” 产生引起的思考[J].聊城大学学报 （社会科学版）， 2006， 3 （3）： 106-109.

[3]郁茜茜.浅谈中国筝乐的发展[J].艺术百家，2006，4（7）：55-57.